โรงละคร

กรีกคลาสสิกและขนมผสมน้ำยา

กรีกเธียเตอร์ใน Taormina , ซิซิลี , อิตาลี

ภาพของนักแสดงที่แสดงบทบาทของเจ้านาย (ขวา) และทาสของเขา (ซ้าย) ใน บทละคร phlyax ภาษากรีกประมาณ 350/340 ก่อนคริสตศักราช

เมืองรัฐของเอเธนส์เป็นที่ที่โรงละครตะวันตกเกิดขึ้น ^{[3] [4] [5] [C]}มันเป็นส่วนหนึ่งของความกว้างวัฒนธรรมของการแสดงออกและประสิทธิภาพในกรีซโบราณที่รวมงานเทศกาล , พิธีกรรมทางศาสนา , การเมือง , กฎหมาย , กรีฑาและยิมนาสติก, เพลง , บทกวี , แต่งงาน, งานศพและการประชุมสัมมนา . ^{[6] [5] [7] [8] [d]}

มีส่วนร่วมในเมืองรัฐหลายเทศกาลและการเข้าร่วมประชุมผู้ได้รับมอบอำนาจในเมือง Dionysiaเป็นสมาชิกผู้ชม (หรือแม้กระทั่งเป็นส่วนร่วมในโปรดักชั่นการแสดงละคร) โดยเฉพาะอย่างยิ่ง-เป็นส่วนสำคัญของการเป็นพลเมือง ^{[10] การ}มีส่วนร่วมของพลเมืองยังเกี่ยวข้องกับการประเมินสำนวนของนักพูดที่ปรากฏในการแสดงในศาล - ศาลหรือการชุมนุมทางการเมืองซึ่งทั้งสองอย่างนี้เข้าใจว่าคล้ายกับโรงละครและเข้ามาซึมซับคำศัพท์ที่น่าทึ่งมากขึ้นเรื่อย ๆ ^{[11] [12]}ชาวกรีกยังพัฒนาแนวคิดของการวิจารณ์ละครและสถาปัตยกรรมการละคร ^{[13] [14] [15]}นักแสดงสมัครเล่นหรือกึ่งอาชีพที่ดีที่สุด ^[16]โรงละครของกรีกโบราณประกอบด้วยสามประเภทละคร : โศกนาฏกรรม , ตลกและเล่นเทพารักษ์ ^[17]

ต้นกำเนิดของโรงละครในกรีกโบราณตามที่อริสโตเติล (384–322 ก่อนคริสตศักราช) นักทฤษฎีการละครคนแรกจะพบได้ในเทศกาลที่ให้เกียรติแก่ไดโอนีซุส การแสดงจัดแสดงในห้องประชุมครึ่งวงกลมที่ตัดเป็นเนินเขาสามารถรองรับผู้คนได้ 10,000–20,000 คน เวทีประกอบด้วยฟลอร์เต้นรำ (วงออเคสตรา) ห้องแต่งตัวและพื้นที่สร้างฉาก (สเก็น) เนื่องจากคำพูดเป็นส่วนที่สำคัญที่สุดเสียงที่ดีและการถ่ายทอดที่ชัดเจนจึงเป็นสิ่งสำคัญยิ่ง นักแสดง (ผู้ชายเสมอกัน) สวมหน้ากากที่เหมาะสมกับตัวละครที่พวกเขาแสดงและแต่ละคนอาจเล่นได้หลายส่วน ^[18]

โศกนาฏกรรมในเอเธนส์ซึ่งเป็นโศกนาฏกรรมที่เก่าแก่ที่สุดที่ยังหลงเหลืออยู่เป็นประเภทของการเต้นรำ -ละครที่เป็นส่วนสำคัญของวัฒนธรรมการแสดงละครของนครรัฐ ^{[3] [4] [5] [19] [20] [e]}เกิดขึ้นในช่วงศตวรรษที่ 6 ก่อนคริสตศักราชมันออกดอกในช่วงศตวรรษที่ 5 ก่อนคริสตศักราช (จากปลายที่มันเริ่มแพร่กระจายไปทั่วโลกกรีก) และยังคงเป็นที่นิยมจนถึงจุดเริ่มต้นของขนมผสมน้ำยา ^{[22] [23] [4] [f]}

ไม่มีโศกนาฏกรรมใด ๆ จากศตวรรษที่ 6 ก่อนคริสตศักราชและมีเพียง 32 จากมากกว่าหนึ่งพันคนที่เกิดขึ้นในช่วงศตวรรษที่ 5 ก่อนคริสตศักราชเท่านั้นที่รอดชีวิต ^{[25] [26] [g]}เรามีตำราที่สมบูรณ์ที่ยังหลงเหลืออยู่โดยอีส , เคิลส์และยูริพิดิ ^{[27] [h]}ต้นกำเนิดของโศกนาฏกรรมยังคงคลุมเครือแม้คริสตศักราชศตวรรษที่ 5 มันก็เป็นสถาบันในการแข่งขัน ( ขัดแย้ง ) จัดขึ้นเป็นส่วนหนึ่งของเทศกาลเฉลิมฉลองDionysus (คนพระเจ้าของไวน์และความอุดมสมบูรณ์ ) ^{[28] [29]}ในฐานะที่เป็นผู้เข้าแข่งขันในการแข่งขันเมือง Dionysia ของ (ที่มีชื่อเสียงที่สุดของเทศกาลละครเวที) นักเขียนบทละครที่ต้องนำเสนอTetralogyของละคร (แม้ว่าผลงานของแต่ละบุคคลที่ไม่ได้จำเป็นต้องเชื่อมต่อจากเรื่องราวหรือรูปแบบ) ซึ่งมักจะ ประกอบด้วยโศกนาฏกรรมสามเรื่องและบทละครเทพารักษ์ 1 เรื่อง ^{[30] [31] [i]}การแสดงโศกนาฏกรรมที่ City Dionysia อาจเริ่มเร็วที่สุดเท่าที่ 534 ก่อนคริสตศักราช; บันทึกอย่างเป็นทางการ ( didaskaliai ) เริ่มตั้งแต่ปี 501 ก่อนคริสตศักราชเมื่อมีการแนะนำการเล่นเทพารักษ์ ^{[32] [30] [ญ]}

โศกนาฏกรรมของเอเธนส์ส่วนใหญ่เป็นเรื่องราวของเหตุการณ์ในเทพนิยายกรีกแม้ว่าชาวเปอร์เซียซึ่งเป็นช่วงการตอบสนองของชาวเปอร์เซียต่อข่าวความพ่ายแพ้ทางทหารของพวกเขาในสมรภูมิซาลามิสใน 480 ก่อนคริสตศักราช - เป็นข้อยกเว้นที่น่าสังเกตในละครที่ยังมีชีวิตอยู่ ^{[30] [k]}เมื่อ Aeschylus ได้รับรางวัลชนะเลิศจาก City Dionysia ในปี 472 ก่อนคริสตศักราชเขาเขียนเรื่องโศกนาฏกรรมมานานกว่า 25 ปี แต่การปฏิบัติต่อประวัติศาสตร์ที่ผ่านมาอย่างน่าเศร้าเป็นตัวอย่างแรกสุดของละครเพื่อความอยู่รอด ^{[30] [34]}กว่า 130 ปีต่อมานักปรัชญาอริสโตเติลได้วิเคราะห์โศกนาฏกรรมของกรุงเอเธนส์ในศตวรรษที่ 5 ในผลงานทฤษฎีละครที่เก่าแก่ที่สุดที่ยังหลงเหลืออยู่นั่นคือบทกวีของเขา(คริสตศักราช 335)

ภาพยนตร์ตลกของชาวเอเธนส์แบ่งออกเป็นสามช่วงตามอัตภาพ ได้แก่ "Old Comedy", "Middle Comedy" และ "New Comedy" Old Comedy ยังคงมีชีวิตอยู่ในปัจจุบันส่วนใหญ่ในรูปแบบของบทละครที่ยังมีชีวิตอยู่สิบเอ็ดเรื่องของAristophanesในขณะที่ Middle Comedy ส่วนใหญ่สูญหายไป (เก็บรักษาไว้ในส่วนที่ค่อนข้างสั้นในผู้เขียนเช่นAthenaeus of Naucratis ) ใหม่ตลกเป็นที่รู้จักกันส่วนใหญ่มาจากเศษกระดาษปาปิรัสที่สำคัญของนัน อริสโตเติลให้คำจำกัดความเรื่องตลกว่าเป็นตัวแทนของคนที่น่าหัวเราะซึ่งเกี่ยวข้องกับความผิดพลาดหรือความอัปลักษณ์บางอย่างที่ไม่ก่อให้เกิดความเจ็บปวดหรือหายนะ ^[l]

นอกเหนือจากประเภทของความขบขันและโศกนาฏกรรมที่ City Dionysia แล้วเทศกาลนี้ยังรวมถึงSatyr Playด้วย การค้นพบต้นกำเนิดในชนบทพิธีกรรมทางการเกษตรที่อุทิศให้กับ Dionysus ในที่สุดบทละครเทพารักษ์ก็มาถึงเอเธนส์ในรูปแบบที่เป็นที่รู้จักมากที่สุด Satyr เองก็ผูกติดกับเทพเจ้า Dionysus ในฐานะเพื่อนร่วมป่าที่ซื่อสัตย์ของเขามักจะมีส่วนร่วมในความเมาและความชั่วร้ายที่อยู่เคียงข้างเขา บทละครเทพารักษ์จัดอยู่ในประเภทโศกนาฏกรรมซึ่งผิดไปจากประเพณีล้อเลียนที่ทันสมัยกว่าในช่วงต้นศตวรรษที่ยี่สิบ สายป่านของละครมีความกังวลโดยปกติจะมีการติดต่อของแพนธีออนของพระเจ้าและมีส่วนร่วมในกิจกรรมของมนุษย์ที่ได้รับการสนับสนุนโดยคณะนักร้องประสานเสียงของเซเทอร์ อย่างไรก็ตามตามที่เว็บสเตอร์นักแสดงเทพารักษ์ไม่ได้แสดงการกระทำของเทพารักษ์ทั่วไปเสมอไปและจะแยกออกจากประเพณีการแสดงที่กำหนดให้เป็นประเภทตัวละครของสัตว์ป่าในตำนาน ^[35]

โรงละครโรมัน

ภาพโมเสคแสดงภาพนักแสดงสวมหน้ากากในละครผู้หญิงสองคนปรึกษา "แม่มด"

โรงละครเวสเทิร์การพัฒนาและขยายตัวมากภายใต้โรมัน ลิวี่นักประวัติศาสตร์ชาวโรมันเขียนว่าชาวโรมันมีประสบการณ์การแสดงละครเวทีครั้งแรกในศตวรรษที่ 4 ก่อนคริสตศักราชโดยมีการแสดงของนักแสดงชาวอีทรัสคัน ^[36] Beacham ให้เหตุผลว่าพวกเขาคุ้นเคยกับ "การปฏิบัติก่อนการแสดงละคร" มาระยะหนึ่งแล้วก่อนที่จะมีการบันทึกการติดต่อ ^[37]โรงละครของกรุงโรมโบราณเป็นที่เจริญรุ่งเรืองและมีความหลากหลายรูปแบบศิลปะตั้งแต่เทศกาลการแสดงของโรงละครสถานที่เต้นรำเปลือยและการแสดงผาดโผน , การแสดงละครของโพลสกี้ 's ในวงกว้างที่น่าสนใจสถานการณ์คอเมดี้ไปที่สไตล์สูงด้วยวาจาอย่างละเอียดโศกนาฎกรรมของเซเนกา แม้ว่าโรมมีประเพณีพื้นเมืองของประสิทธิภาพการทำงานที่Hellenizationของวัฒนธรรมโรมันในคริสตศักราชศตวรรษที่ 3 มีผลกระทบอย่างลึกซึ้งและพลังในโรมันโรงละครและสนับสนุนการพัฒนาของวรรณกรรมละตินที่มีคุณภาพสูงขึ้นมาบนเวที ละครเรื่องเดียวที่ยังมีชีวิตอยู่จากอาณาจักรโรมันคือละครสิบเรื่องที่มาจากLucius Annaeus Seneca (4 BCE – 65 CE) นักปรัชญาสโตอิกที่เกิดใน Corduba และครูสอนพิเศษของ Nero ^[38]

โรงละครอินเดีย

Koothuเป็นรูปแบบโบราณของศิลปะการแสดงที่เกิดขึ้นในช่วงต้น Tamilakam

ชิ้นส่วนละครภาษาสันสกฤตที่เก่าแก่ที่สุดที่ยังมีชีวิตอยู่ในช่วงคริสตศักราชศตวรรษที่ 1 ^{[39] [40]}ความมั่งคั่งของหลักฐานทางโบราณคดีจากยุคก่อนไม่มีข้อบ่งชี้ถึงการดำรงอยู่ของประเพณีการแสดงละคร ^[41] พระเวทโบราณ( เพลงสวดตั้งแต่ 1500 ถึง 1,000 ก่อนคริสตศักราชซึ่งเป็นตัวอย่างวรรณคดีที่เก่าแก่ที่สุดในโลก) ไม่มีคำใบ้ (แม้ว่าจะมีการแต่งบทสนทนาเพียงเล็กน้อย) และพิธีกรรมของพระเวท ระยะเวลาไม่ปรากฏว่ามีการพัฒนาเป็นโรงละคร ^[41] MahābhāṣyaโดยPatanjaliมีอ้างอิงถึงสิ่งที่อาจได้รับเมล็ดพันธุ์ของละครสันสกฤต ^[42]ตำรานี้ในไวยากรณ์จากคริสตศักราช 140 ยังมีวันที่เป็นไปได้สำหรับจุดเริ่มต้นของโรงภาพยนตร์ในอินเดีย ^[42]

แหล่งที่มาของหลักฐานสันสกฤตโรงละครเป็นตำราโรงละคร ( Nātyaśāstra ) สรุปวันที่มีองค์ประกอบคือความไม่แน่นอน (ประมาณการในช่วงตั้งแต่ 200 คริสตศักราช 200 CE) และผู้ประพันธ์ประกอบกับพระภรตมุนี The Treatiseเป็นงานละครที่สมบูรณ์แบบที่สุดในโลกยุคโบราณ มันอยู่ที่การแสดง , เต้นรำ , เพลง , การก่อสร้างได้อย่างน่าทึ่ง , สถาปัตยกรรม , เครื่องแต่งกาย , การแต่งหน้า , อุปกรณ์ประกอบฉากองค์กรของ บริษัท ที่ผู้ชมการแข่งขันและข้อเสนอตำนานบัญชีของการกำเนิดของโรงละคร ^[42]ในการทำเช่นนี้จะให้ข้อบ่งชี้เกี่ยวกับลักษณะของการปฏิบัติจริงในการแสดงละคร ละครภาษาสันสกฤตแสดงบนพื้นที่ศักดิ์สิทธิ์โดยนักบวชที่ได้รับการฝึกฝนทักษะที่จำเป็น (การเต้นรำดนตรีและการท่อง) ใน [กระบวนการทางพันธุกรรม] จุดมุ่งหมายคือเพื่อให้ความรู้และเพื่อความบันเทิง

นักแสดงที่เล่น Sugrivaใน รูปแบบKoodiyattamของ ละครภาษาสันสกฤต

ภายใต้การอุปถัมภ์ของราชสำนักนักแสดงเป็นของ บริษัท มืออาชีพที่กำกับโดยผู้จัดการเวที ( สุตราธารา ) ซึ่งอาจทำหน้าที่ด้วย ^{[39] [42]}งานนี้ถูกคิดว่าคล้ายกับการเชิดหุ่น - ความหมายตามตัวอักษรของ " สุตราธารา " คือ "ผู้ถือสายหรือด้าย" ^[42]นักแสดงได้รับการฝึกฝนอย่างเข้มงวดในด้านเทคนิคการร้องและกายภาพ ^[43]ไม่มีข้อห้ามสำหรับนักแสดงหญิง; บริษัท ต่างๆเป็นชายล้วนหญิงล้วนและคละเพศ อย่างไรก็ตามความรู้สึกบางอย่างถือว่าไม่เหมาะสมสำหรับผู้ชายที่จะออกกฎหมายและคิดว่าเหมาะสมกับผู้หญิงมากกว่า นักแสดงบางคนเล่นตัวละครตามอายุของตัวเองในขณะที่คนอื่นเล่นอายุต่างจากตัวเอง (ไม่ว่าจะอายุน้อยกว่าหรือมากกว่า) จากองค์ประกอบทั้งหมดของโรงละครตำราให้ความสนใจมากที่สุดกับการแสดง ( abhinaya ) ซึ่งประกอบด้วยสองรูปแบบ: เหมือนจริง ( lokadharmi ) และแบบดั้งเดิม ( natyadharmi ) แม้ว่าจุดสนใจหลักจะอยู่ที่อย่างหลังก็ตาม ^{[43] [ม.]}

ละครถือได้ว่าเป็นความสำเร็จสูงสุดของวรรณคดีสันสกฤต ^[39]ใช้ตัวละครในสต็อกเช่นพระเอก ( นายากะ ) นางเอก ( นายิกา ) หรือตัวตลก ( วิดูซากะ ) นักแสดงอาจมีความเชี่ยวชาญในประเภทใดประเภทหนึ่ง Kālidāsaในศตวรรษที่ 1 ก่อนคริสตศักราชถือได้ว่าเป็นนักเขียนบทละครภาษาสันสกฤตที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของอินเดียโบราณ บทละครโรแมนติกที่มีชื่อเสียงสามเรื่องที่เขียนโดยKālidāsa ได้แก่Mālavikāgnimitram ( Mālavikāและ Agnimitra ) Vikramuurvashiiya ( เกี่ยวข้องกับ Vikrama และ Urvashi ) และAbhijñānaśākuntala ( The Recognition of Shakuntala ) สุดท้ายได้รับแรงบันดาลใจจากเรื่องราวในมหาภารตะและมีชื่อเสียงที่สุด มันเป็นครั้งแรกที่จะได้รับการแปลเป็นภาษาอังกฤษและภาษาเยอรมัน Śakuntalā (ในฉบับแปลภาษาอังกฤษ) มีอิทธิพลต่อเฟาสต์ของเกอเธ่ (1808–1832) ^[39]

นักเขียนบทละครชาวอินเดียผู้ยิ่งใหญ่คนต่อไปคือภควัตภูติ (ประมาณศตวรรษที่ 7) เขาได้รับการกล่าวขานว่าเขียนบทละครสามเรื่องต่อไปนี้: มาลาตี - มา ธวา, มหาวีระราชฤทธาและอุตตรมาชาริตา กลุ่มคนเหล่านี้สามทั้งสองฝาที่ผ่านมาระหว่างพวกเขามหากาพย์ทั้งหมดของรามายณะ ที่มีประสิทธิภาพจักรพรรดิอินเดียHarsha (606-648) จะให้เครดิตกับการเขียนบทละครสาม: ตลกRatnavali , PriyadarsikaและพุทธละครNagananda

โรงละครจีน

การแสดงสาธารณะใน Jade Dragon Snow Mountain Open Air Theatre

ราชวงศ์ถังเป็นบางครั้งเรียกว่า "ยุค 1000 บันเทิง" ในช่วงยุคนี้ Ming Huang ได้ก่อตั้งโรงเรียนการแสดงที่เรียกว่า The Pear Gardenเพื่อสร้างรูปแบบของละครที่เน้นดนตรีเป็นหลัก นั่นคือเหตุผลที่นักแสดงมักเรียกกันว่า "Children of the Pear Garden" ในช่วงราชวงศ์ของจักรพรรดินีหลิงการเชิดหุ่นเงาได้ปรากฏตัวครั้งแรกในรูปแบบของโรงละครที่เป็นที่ยอมรับในประเทศจีน การเชิดหุ่นเงามีสองรูปแบบที่แตกต่างกันคือปักกิ่ง (ภาคเหนือ) และกวางตุ้ง (ภาคใต้) ทั้งสองรูปแบบมีความแตกต่างกันโดยวิธีการสร้างหุ่นและการวางตำแหน่งของแท่งบนหุ่นซึ่งต่างจากการเล่นแบบของหุ่นเชิด ทั้งสองรูปแบบโดยทั่วไปแสดงละครที่แสดงถึงการผจญภัยและแฟนตาซีที่ยิ่งใหญ่ไม่ค่อยมีรูปแบบของโรงละครที่เก๋ไก๋มากขนาดนี้ที่ใช้ในการโฆษณาชวนเชื่อทางการเมือง

หุ่นเงากวางตุ้งมีขนาดใหญ่กว่าสองตัว พวกเขาสร้างขึ้นโดยใช้หนังหนาซึ่งทำให้เกิดเงาที่ชัดเจนมากขึ้น สีสัญลักษณ์ก็แพร่หลายมากเช่นกัน ใบหน้าสีดำแสดงถึงความซื่อสัตย์ความกล้าหาญสีแดง แท่งที่ใช้ควบคุมหุ่นกวางตุ้งติดตั้งฉากกับหัวของหุ่น ดังนั้นพวกเขาจึงไม่เห็นผู้ชมเมื่อเงาถูกสร้างขึ้น หุ่นปักกิ่งบอบบางและตัวเล็กกว่า พวกมันถูกสร้างขึ้นจากหนังที่โปร่งแสงบาง ๆ (โดยปกติจะนำมาจากท้องของลา) พวกเขาวาดด้วยสีที่มีชีวิตชีวาดังนั้นพวกเขาจึงสร้างเงาที่มีสีสันมาก แท่งบาง ๆ ที่ควบคุมการเคลื่อนไหวของมันติดอยู่กับปลอกคอหนังที่คอของหุ่น แท่งไม้วิ่งขนานกับลำตัวของหุ่นแล้วหันไปทำมุมเก้าสิบองศาเพื่อเชื่อมต่อกับคอ ในขณะที่แท่งเหล่านี้สามารถมองเห็นได้เมื่อเงาถูกเหวี่ยงออกไปพวกมันก็วางอยู่นอกเงาของหุ่นเชิด ดังนั้นพวกเขาจึงไม่ยุ่งเกี่ยวกับการปรากฏตัวของร่าง แท่งที่ติดอยู่ที่คอเพื่อความสะดวกในการใช้หัวหลายหัวในร่างกายเดียว เมื่อไม่ได้ใช้งานศีรษะพวกเขาจะถูกเก็บไว้ในหนังสือมัสลินหรือกล่องบุผ้า หัวมักจะถูกถอดออกในเวลากลางคืน นี่เป็นไปตามความเชื่อทางไสยศาสตร์สมัยก่อนที่ว่าหากปล่อยไว้ไม่เป็นอันตรายหุ่นจะมีชีวิตขึ้นมาในเวลากลางคืน นักเชิดหุ่นบางคนไปไกลถึงขั้นเก็บหัวไว้ในหนังสือเล่มหนึ่งและอีกเล่มหนึ่งเพื่อลดความเป็นไปได้ในการสร้างหุ่นเชิดอีกครั้ง การเชิดหุ่นเงาได้รับการกล่าวขานว่ามาถึงจุดสูงสุดของพัฒนาการทางศิลปะในศตวรรษที่สิบเอ็ดก่อนที่จะกลายเป็นเครื่องมือของรัฐบาล

ในราชวงศ์ซ่งมีละครยอดนิยมมากมายที่เกี่ยวข้องกับการแสดงผาดโผนและดนตรี สิ่งเหล่านี้พัฒนาขึ้นในราชวงศ์หยวนในรูปแบบที่ซับซ้อนมากขึ้นที่เรียกว่าzajuโดยมีโครงสร้างสี่หรือห้าการกระทำ ละครเรื่อง Yuan แพร่กระจายไปทั่วประเทศจีนและกระจายไปสู่รูปแบบภูมิภาคต่างๆมากมายซึ่งหนึ่งในละครที่รู้จักกันดีคือPeking Operaซึ่งยังคงได้รับความนิยมในปัจจุบัน

Xiangshengเป็นการแสดงตลกของจีนแบบดั้งเดิมในรูปแบบของการพูดคนเดียวหรือบทสนทนา

โรงละครหลังคลาสสิกทางตะวันตก

โรงละครเอาในรูปแบบอื่น ๆ อีกมากมายในเวสต์ระหว่างวันที่ 15 และ 19 ศตวรรษรวมทั้งเดลลา Commediaและโลก แนวโน้มทั่วไปก็ห่างจากละครบทกวีของชาวกรีกและเรเนสซองและต่อรูปแบบร้อยแก้วธรรมชาติมากขึ้นของการเจรจาโดยเฉพาะอย่างยิ่งต่อไปนี้การปฏิวัติอุตสาหกรรม ^[44]

โรงละครรอยัลดรูรีเลนใน West End เปิดให้บริการในเดือนพฤษภาคม ค.ศ. 1663 เป็นโรงละครที่เก่าแก่ที่สุดในลอนดอน ^[45]

โรงละครหยุดพักชั่วคราวระหว่างปี 1642 และ 1660 ในอังกฤษเนื่องจากPuritan Interregnum เมื่อมองว่าโรงละครเป็นสิ่งที่ผิดบาปพวกพิวริตันจึงสั่งปิดโรงภาพยนตร์ในลอนดอนในปีค . ศ . 1642 ^[46]ช่วงนี้นิ่งสิ้นสุดวันที่ครั้งหนึ่งเคยเป็นชาร์ลส์กลับสู่บัลลังก์มาใน 1660 ในการฟื้นฟู โรงละคร (ในศิลปะอื่น ๆ ) ระเบิดขึ้นโดยได้รับอิทธิพลจากวัฒนธรรมฝรั่งเศสเนื่องจากชาร์ลส์ถูกเนรเทศไปฝรั่งเศสในช่วงหลายปีก่อนรัชกาลของเขา

ใน 1660 ทั้งสอง บริษัท รับอนุญาตในการดำเนินการที่บริษัท ของดยุคและบริษัท ของพระบาทสมเด็จพระเจ้าอยู่หัว ผลการดำเนินงานที่ถูกจัดขึ้นในอาคารที่แปลงเช่นLisle ของเทนนิส ครั้งแรกที่โรงละคร West Endที่รู้จักกันในโรงละคร Royal ในCovent Gardenลอนดอนได้รับการออกแบบโดยโทมัสคิลลิกและสร้างขึ้นบนเว็บไซต์ของปัจจุบันโรงละครรอยัลดรูรีเลน ^[45]

การเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่อย่างหนึ่งคือโรงละครใหม่ แทนที่จะเป็นรูปแบบของยุคเอลิซาเบ ธ เช่นโรงละครโกลบรอบ ๆ โดยไม่มีสถานที่ให้นักแสดงได้เตรียมตัวสำหรับการแสดงครั้งต่อไปและด้วย "มารยาทในการแสดงละคร" โรงละครก็กลายเป็นสถานที่แห่งการปรับแต่งโดยมี เวทีด้านหน้าและที่นั่งในสนามกีฬาหันหน้าไปทางนั้น เนื่องจากที่นั่งไม่ทั่วเวทีอีกต่อไปจึงมีการจัดลำดับความสำคัญ - บางที่นั่งดีกว่าที่นั่งอื่นอย่างเห็นได้ชัด กษัตริย์จะมีที่นั่งที่ดีที่สุดในบ้านนั่นคือตรงกลางของโรงละครซึ่งมีมุมมองที่กว้างที่สุดของเวทีรวมถึงวิธีที่ดีที่สุดในการดูมุมมองและจุดที่หายไปที่เวทีสร้างขึ้นรอบ ๆ Philippe Jacques de Loutherbourgเป็นหนึ่งในนักออกแบบชุดที่มีอิทธิพลมากที่สุดในยุคนั้นเนื่องจากเขาใช้พื้นที่และทิวทัศน์

เนื่องจากเหตุการณ์วุ่นวายก่อนหน้านี้ยังคงมีการโต้เถียงกันว่าอะไรควรและไม่ควรนำขึ้นเวที เจเรมีถ่านหินนักเทศน์เป็นหนึ่งในหัวในการเคลื่อนไหวนี้ผ่านชิ้นของเขาสั้นมุมมองของการผิดศีลธรรมและความหยาบคายของเวทีภาษาอังกฤษ ความเชื่อในบทความนี้ส่วนใหญ่จัดขึ้นโดยผู้ที่ไม่ได้ดูละครและส่วนที่เหลือของพวกพิวริแทนและเคร่งศาสนาในยุคนั้น คำถามหลักคือหากการเห็นสิ่งผิดศีลธรรมบนเวทีส่งผลกระทบต่อพฤติกรรมในชีวิตของผู้ที่รับชมสิ่งนี้ซึ่งเป็นข้อถกเถียงที่ยังคงเกิดขึ้นในปัจจุบัน ^[47]

การเรียกเก็บเงินสำหรับโรงละครของอังกฤษในปีพ. ศ. 2372

ศตวรรษที่สิบเจ็ดยังแนะนำผู้หญิงให้เข้าร่วมเวทีซึ่งถือว่าไม่เหมาะสมก่อนหน้านี้ ผู้หญิงเหล่านี้ได้รับการยกย่องว่าเป็นคนดัง (ซึ่งเป็นแนวคิดที่ใหม่กว่าด้วยแนวคิดเรื่องปัจเจกนิยมที่เกิดขึ้นจากการปลุกของมนุษยนิยมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ) แต่ในทางกลับกันมันก็ยังใหม่มากและเป็นการปฏิวัติที่พวกเขาอยู่บนเวทีและบางคนกล่าวว่า พวกเขาไม่ได้เป็นผู้หญิงและดูถูกพวกเขา Charles II ไม่ชอบชายหนุ่มที่เล่นบทของหญิงสาวเขาจึงขอให้ผู้หญิงเล่นบทของตัวเอง ^[48]เนื่องจากผู้หญิงได้รับอนุญาตให้ขึ้นเวทีนักเขียนบทละครจึงมีช่องว่างมากขึ้นด้วยการพลิกแพลงพล็อตเช่นผู้หญิงแต่งตัวเป็นผู้ชายและหลบหนีจากสถานการณ์ที่เหนียวเหนอะหนะทางศีลธรรมในรูปแบบของตลกขบขัน

คอเมดี้ได้เต็มรูปแบบของหนุ่มสาวและมากในสมัยกับเค้าต่อไปนี้ชีวิตรักของพวกเขามักหนุ่มพระเอกเกเรอ้างความรักของเขาที่จะบริสุทธิ์และนางเอกใจฟรีใกล้ถึงจุดสิ้นสุดของการเล่นเหมือนเชอริแดน ในโรงเรียนมีเรื่องอื้อฉาว คอเมดี้หลายเรื่องได้รับการออกแบบตามประเพณีของฝรั่งเศสโดยเฉพาะอย่างยิ่งMolièreได้รับการยกย่องให้กลับมาสู่อิทธิพลของฝรั่งเศสที่กษัตริย์และราชวงศ์นำกลับมาอีกครั้งหลังจากที่พวกเขาถูกเนรเทศ Molièreเป็นหนึ่งในนักเขียนบทละครตลกอันดับต้น ๆ ในยุคนั้นซึ่งปฏิวัติวิธีการเขียนและแสดงตลกโดยการผสมผสานคอมมิเดียเดลลาร์เตของอิตาลีและตลกฝรั่งเศสนีโอคลาสสิกเข้าด้วยกันเพื่อสร้างคอเมดีเสียดสีที่ยาวนานที่สุดและมีอิทธิพลมากที่สุด ^[49]โศกนาฏกรรมได้รับชัยชนะในทำนองเดียวกันในแง่ของการมีอำนาจทางการเมืองที่ถูกต้องโดยเฉพาะอย่างยิ่งเนื่องจากการบูรณะมงกุฎเมื่อไม่นานมานี้ ^[50]พวกเขาเลียนแบบโศกนาฏกรรมของฝรั่งเศสเช่นกันแม้ว่าชาวฝรั่งเศสจะมีความแตกต่างระหว่างเรื่องตลกและโศกนาฏกรรมมากกว่าในขณะที่ภาษาอังกฤษสอดแทรกเรื่องตลกเป็นครั้งคราวและใส่บางส่วนที่ตลกขบขันในโศกนาฏกรรมของพวกเขา รูปแบบทั่วไปของบทละครที่ไม่ใช่เรื่องตลกเป็นเรื่องตลกที่ซาบซึ้งเช่นเดียวกับสิ่งที่ต่อมาเรียกว่าtragédie bourgeoiseหรือโศกนาฏกรรมในประเทศนั่นคือโศกนาฏกรรมของชีวิตทั่วไปเป็นที่นิยมมากขึ้นในอังกฤษเพราะพวกเขาสนใจความอ่อนไหวของอังกฤษมากขึ้น ^[51]

ในขณะที่โรงละครเร่ร่อนถูกก่อนมักจะเดินทางความคิดของโรงละครแห่งชาติได้รับการสนับสนุนในศตวรรษที่ 18 แรงบันดาลใจจากลุดวิกโฮลเบิร์ก โปรโมเตอร์ที่สำคัญของความคิดของโรงละครแห่งชาติในประเทศเยอรมนีและยังของพายุคาดไม่ถึงแดกวีเป็นอาเบลเซีย์เลอร์ , เจ้าของHamburgische Entrepriseและบริษัท Seyler โรงละคร ^[52]

ว่า "บ้านเล็ก" ของ โรงละคร Vanemuineจาก 1918 Tartu , เอสโตเนีย ^[53]

ผ่านศตวรรษที่ 19ที่เป็นที่นิยมในรูปแบบของการแสดงละครแนวโรแมนติก , โลก , ล้อเลียนวิคตอเรียและดีทำละครเวทีของอาลักษณ์และSardouให้ทางไปเล่นปัญหาของนิยมและธรรมชาติ ; ชวนหัวของFeydeau ; Gesamtkunstwerkโอเปร่าของแว็กเนอร์ ; ละครเพลง (รวมถึงโอเปร่าของกิลเบิร์ตและซัลลิแวน ); FC Burnand 's, WS Gilbert ' s และOscar Wilde 's drawing-room comedies; สัญลักษณ์ ; proto- Expressionismในงานปลายเดือนสิงหาคม StrindbergและHenrik Ibsen ; ^[54]และละครเอ็ดเวิร์ด

แนวโน้มเหล่านี้ยังคงดำเนินต่อไปจนถึงศตวรรษที่ 20ในความสมจริงของStanislavskiและLee StrasbergโรงละครทางการเมืองของErwin PiscatorและBertolt Brechtซึ่งเรียกว่าTheatre of the AbsurdของSamuel BeckettและEugène Ionescoละครเพลงอเมริกันและอังกฤษการสร้างสรรค์โดยรวมของ บริษัท ของนักแสดงและผู้กำกับเช่นโจแอนนา Littlewood 's โรงละครการประชุมเชิงปฏิบัติการทดลองและหลังสมัยใหม่โรงภาพยนตร์ของโรเบิร์ตวิลสันและโรเบิร์ตเพจที่วรรณคดีละครสิงหาคมวิลสันหรือTomson ทางหลวงและออกัส Boal ' s โรงละครของผู้ถูกกดขี่

ประเพณีการแสดงละครตะวันออก

Rakshasaหรือปีศาจตามที่ปรากฎใน Yakshaganaซึ่งเป็นรูปแบบของการเต้นรำดนตรี - ละครจาก อินเดีย

รูปแบบแรกของโรงละครอินเดียเป็นโรงละครสันสกฤต ^[55]เริ่มขึ้นหลังจากการพัฒนาโรงละครกรีกและโรมันและก่อนการพัฒนาโรงละครในส่วนอื่น ๆ ของเอเชีย ^[55]มันเกิดขึ้นในช่วงศตวรรษที่ 2 ก่อนคริสตศักราชและคริสต์ศตวรรษที่ 1 และเฟื่องฟูระหว่างคริสตศักราชศตวรรษที่ 1 ถึงคริสต์ศตวรรษที่ 10 ซึ่งเป็นช่วงเวลาแห่งความสงบสุขในประวัติศาสตร์ของอินเดียซึ่งมีการเขียนบทละครหลายร้อยเรื่อง ^{[56] [41]}รูปแบบของญี่ปุ่นKabuki , NōและKyōgenพัฒนาขึ้นในศตวรรษที่ 17 CE ^[57]โรงละครในโลกอิสลามยุคกลางรวมถึงโรงละครหุ่น (ซึ่งรวมถึงหุ่นมือละครเงาและการแสดงหุ่นกระบอก ) และการแสดงละครสดที่รู้จักกันในชื่อta'ziyaซึ่งนักแสดงนำเรื่องราวจากประวัติศาสตร์มุสลิมมาใช้อีกครั้ง โดยเฉพาะอย่างยิ่งชิอิสลามเล่นโคจรรอบฮิด (ทรมาน) ของอาลีบุตรชายของฮะซันบันอาลีและอิบันอาลีฮู บทละครฆราวาสเป็นที่รู้จักกันakhrajaบันทึกไว้ในยุคกลางรุกเร้าวรรณกรรมแม้ว่าพวกเขาจะน้อยกว่าหุ่นกระบอกและta'ziyaโรงละคร ^[58]

ละคร

ละครเป็นเฉพาะโหมดของนิยาย เป็นตัวแทนในการปฏิบัติงาน ^[59]คำนี้มาจากคำภาษากรีกแปลว่า " การกระทำ " ซึ่งมาจากคำกริยาδράω, dráō , "to do" หรือ "to act" การตรากฎหมายของละครในโรงละครดำเนินการโดยนักแสดงบนเวทีก่อนที่ผู้ชม , เหทำงานร่วมกันโหมดของการผลิตและส่วนรวมรูปแบบของการรับ โครงสร้างของตำราอย่างมากซึ่งแตกต่างจากรูปแบบอื่น ๆ ของวรรณกรรมเป็นผลโดยตรงจากการผลิตร่วมกันนี้และแผนกต้อนรับส่วนหน้ารวม ^[60]ต้นที่ทันสมัย โศกนาฏกรรม หมู่บ้าน (1601) โดยเช็คสเปียร์และคลาสสิกเอเธนส์โศกนาฏกรรมOedipus Rex (ค. 429 คริสตศักราช) โดยเคิลส์เป็นหนึ่งในผลงานชิ้นเอกของศิลปะการละคร ^[61]ตัวอย่างที่ทันสมัยคือLong Day's Journey into NightโดยEugene O'Neill (1956) ^[62]

ถือได้ว่าเป็นรูปแบบของบทกวีโดยทั่วไปโหมดการแสดงละครได้รับการเปรียบเทียบกับมหากาพย์และโคลงสั้น ๆโหมดนับตั้งแต่อริสโตเติล 's ฉันทลักษณ์ (ค. 335 คริสตศักราช) -The งานแรกของละครทฤษฎี ^[N]การใช้ "ละคร" ในความหมายแคบ ๆ ที่จะกำหนดให้เฉพาะประเภทของการเล่นวันที่จากศตวรรษที่ 19 ละครในแง่นี้หมายถึงละครที่ไม่ใช่เรื่องตลกหรือโศกนาฏกรรม - ตัวอย่างเช่นThérèse Raquin (1873) ของ Zola หรือIvanovของ Chekhov (1887) อย่างไรก็ตามในกรีกโบราณคำว่าดราม่าครอบคลุมถึงละครละครโศกนาฏกรรมการ์ตูนหรืออะไรก็ตามที่อยู่ระหว่างนั้น

ละครมักจะรวมกับดนตรีและการเต้นรำ : ละครในโอเปร่ามักจะร้องตลอด; ละครเพลงโดยทั่วไปรวมทั้งการพูดการเจรจาและเพลง ; และบางรูปแบบของละครมีเพลงบังเอิญหรือคลอดนตรีตอกย้ำการสนทนา ( โลกและญี่ปุ่นไม่มีตัวอย่าง) ^[o]ในบางช่วงของประวัติศาสตร์ ( โรมันโบราณและโรแมนติกสมัยใหม่) ละครบางเรื่องได้รับการเขียนขึ้นเพื่ออ่านมากกว่าการแสดง ^[p]ในการปรับตัวละครไม่ได้อยู่ก่อนช่วงเวลาของการทำงาน; นักแสดงคิดบทละครอย่างเป็นธรรมชาติต่อหน้าผู้ชม ^[q]

โรงละครดนตรี

แมวที่ London Palladium

ดนตรีและการละครมีความสัมพันธ์ใกล้ชิดกันมาตั้งแต่สมัยโบราณ - โศกนาฏกรรมของเอเธนส์ เป็นรูปแบบหนึ่งของการเต้นรำ - ละครที่ใช้การขับร้องซึ่งมีท่อนหนึ่งร้อง (กับดนตรีประกอบของaulosซึ่งเป็นเครื่องดนตรีที่เทียบได้กับคลาริเน็ตสมัยใหม่) เป็นบางส่วนของการตอบสนองของพวกเขาและ 'นักแสดงเพลงเดี่ยว' ( monodies ) ^[63]ละครเพลงสมัยใหม่เป็นรูปแบบของโรงละครที่ผสมผสานดนตรีบทสนทนาที่พูดและการเต้นรำเข้าด้วยกัน มันโผล่ออกมาจากการ์ตูนทีวี (โดยเฉพาะกิลเบิร์และซัลลิแวน ), ความหลากหลาย , เพลงและห้องโถงเพลงประเภทของสายที่ 19และต้นศตวรรษที่ 20 ^[64]หลังจากละครเพลงสมัยเอ็ดเวิร์ดที่เริ่มในยุค 1890 ละครเพลงเรื่องPrincess Theatreในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 และคอเมดีในช่วงทศวรรษที่ 1920 และ 1930 (เช่นผลงานของร็อดเจอร์สและแฮมเมอร์สไตน์ ) กับโอกลาโฮมา! (1943) ละครเพลงเคลื่อนไหวไปในทิศทางที่น่าทึ่งมากขึ้น ^[r]ละครเพลงที่มีชื่อเสียงในช่วงหลายทศวรรษต่อมา ได้แก่My Fair Lady (1956), West Side Story (1957), The Fantasticks (1960), Hair (1967), A Chorus Line (1975), Les Misérables (1980), Cats ( 1981), Into the Woods (1986) และThe Phantom of the Opera (1986), ^[65]รวมถึงเพลงฮิตร่วมสมัยอื่น ๆ เช่นRent (1994), The Lion King (1997), Wicked (2003) และHamilton ( 2558).

อาจมีการผลิตละครเพลงในโรงละครนอกบรอดเวย์ในโรงละครระดับภูมิภาคและที่อื่น ๆ แต่มักจะมีการแสดง ตัวอย่างเช่นละครเพลงบรอดเวย์และเวสต์เอนด์มักจะมีเครื่องแต่งกายและฉากหรูหราที่ได้รับการสนับสนุนจากงบประมาณหลายล้านดอลลาร์

หน้ากากละครโศกนาฏกรรมและตลก โมเสค งานศิลปะโรมันศตวรรษที่ 2 CE พิพิธภัณฑ์ Capitolineกรุงโรม

ตลก

การผลิตละครที่ใช้อารมณ์ขันเป็นพาหนะในการเล่าเรื่องมีคุณสมบัติเป็นคอเมดี้ ซึ่งอาจรวมถึงที่ทันสมัยตลกเช่นโบอิ้งโบอิ้งหรือเล่นคลาสสิกเช่นAs You Like It โรงละครแสดงความเยือกเย็นขัดแย้งหรือข้อห้ามเรื่องในทางอารมณ์ขันจงใจจะเรียกว่าเป็นสีดำขบขัน Black Comedy สามารถมีได้หลายประเภทเช่นตลกขบขันตลกมืดและประชดประชัน

โศกนาฏกรรม

โศกนาฏกรรมคือการเลียนแบบการกระทำที่ร้ายแรงสมบูรณ์และมีขนาดที่แน่นอน: ในภาษาที่ประดับประดาด้วยเครื่องประดับศิลปะแต่ละชนิดมีหลายประเภทที่พบในส่วนที่แยกจากกันของบทละคร ในรูปแบบของการกระทำไม่ใช่การบรรยาย ด้วยความสงสารและความกลัวที่ส่งผลต่อการกำจัดอารมณ์เหล่านี้อย่างเหมาะสม

-  อริสโตเติล , ฉันทลักษณ์^[66]

วลีของอริสโตเติล "พบหลายชนิดในส่วนที่แยกจากกันของบทละคร" เป็นการอ้างอิงถึงต้นกำเนิดของละคร ในนั้นส่วนที่พูดถูกเขียนในภาษาถิ่นใต้หลังคาในขณะที่ร้องเพลง (อ่านหรือร้อง) คนในภาษา Doricความแตกต่างเหล่านี้สะท้อนให้เห็นถึงความแตกต่างของต้นกำเนิดศาสนาและบทกวีเมตรของชิ้นส่วนที่ถูกหลอมรวมเป็นนิติบุคคลใหม่ละครละคร

โศกนาฏกรรมหมายถึงเฉพาะประเพณีของละครที่มีบทบาทที่ไม่ซ้ำกันและมีความสำคัญทางประวัติศาสตร์ในตัวเองความหมายของอารยธรรมตะวันตก ^{[67] [68]}ประเพณีดังกล่าวมีหลายรูปแบบและไม่ต่อเนื่อง แต่คำนี้มักถูกนำมาใช้เพื่อกระตุ้นให้เกิดผลกระทบอันทรงพลังของเอกลักษณ์ทางวัฒนธรรมและความต่อเนื่องทางประวัติศาสตร์ - " ชาวกรีกและชาวเอลิซาเบ ธในรูปแบบทางวัฒนธรรมเดียวHellenesและคริสเตียนใน เป็นกิจกรรมร่วมกัน "ตามที่Raymond Williamsกล่าวไว้ ^[69]จากต้นกำเนิดที่คลุมเครือในโรงภาพยนตร์ของกรุงเอเธนส์เมื่อ 2,500 ปีก่อนซึ่งมีผลงานของAeschylus , SophoclesและEuripidesเพียงเศษเสี้ยวเดียวผ่านการใช้ข้อต่อเอกพจน์ในผลงานของShakespeare , Lope de Vega , Racineและชิลเลอร์ไปเมื่อเร็ว ๆ นี้ยึดโศกนาฏกรรมของสตินเบอร์ก , ของ Beckett สมัยสมาธิในการตายการสูญเสียและความทุกข์ทรมานและของMüller หลังสมัยใหม่ reworkings ของโศกนาฏกรรมศีลโศกนาฏกรรมยังคงเป็นเว็บไซต์ที่สำคัญของการทดลองทางวัฒนธรรม, การเจรจาต่อรองการต่อสู้และการเปลี่ยนแปลง ^{[70] [71]}ในการปลุกของอริสโตเติลกวี (335 คริสตศักราช) โศกนาฏกรรมถูกนำมาใช้เพื่อสร้างความแตกต่างของประเภทไม่ว่าจะในระดับของกวีนิพนธ์โดยทั่วไป (ที่โศกนาฏกรรมหารด้วยมหากาพย์และบทกวี ) หรือในระดับของ ละคร (ที่โศกนาฏกรรมตรงข้ามกับเรื่องตลก ) ในที่ทันสมัยยุคโศกนาฏกรรมยังได้ถูกกำหนดให้กับละครเรื่องประโลมโลก , เศร้าและโรงละครมหากาพย์ ^[s]

การปรับปรุง

การด้นสดเป็นลักษณะที่สอดคล้องกันของโรงละครโดย Commedia dell'arte ในศตวรรษที่สิบหกได้รับการยอมรับว่าเป็นรูปแบบการด้นสดครั้งแรก ได้รับความนิยมจากผู้ได้รับรางวัลโนเบลดาริโอโฟและนักดนตรีเช่นโรงละครอิมโพรไวส์ของUpright Citizens Brigadeยังคงพัฒนาไปตามกระแสและปรัชญาที่แตกต่างกันมากมาย Keith JohnstoneและViola Spolinได้รับการยอมรับว่าเป็นครูคนแรกของการแสดงอิมโพรไวส์ในยุคปัจจุบันโดย Johnstone ได้สำรวจการแสดงบทด้นสดเป็นทางเลือกนอกเหนือจากโรงละครตามบทและ Spolin และผู้สืบทอดของเธอที่สำรวจการด้นสดโดยเฉพาะเป็นเครื่องมือในการพัฒนางานหรือทักษะที่น่าทึ่ง ตลก. สโปลินยังให้ความสนใจว่ากระบวนการเรียนรู้อิมโพรไวส์สามารถใช้ได้กับการพัฒนาศักยภาพของมนุษย์ ^[72]ลูกชายของสโปลินพอลซิลส์ได้รับความนิยมในการแสดงละครเวทีในรูปแบบศิลปะการแสดงละครเมื่อเขาก่อตั้งในฐานะผู้กำกับคนแรกThe Second Cityในชิคาโก

งานเลี้ยงในหมู่บ้านพร้อมการแสดงละครประมาณปี 1600

โรงละครเป็นส่วนสำคัญของวัฒนธรรมมนุษย์มานานกว่า 2,500 ปีได้พัฒนาทฤษฎีและแนวปฏิบัติที่แตกต่างกันออกไปมากมาย บางเรื่องเกี่ยวข้องกับอุดมการณ์ทางการเมืองหรือจิตวิญญาณในขณะที่บางเรื่องมีพื้นฐานมาจากความกังวลด้าน "ศิลปะ" ล้วนๆ กระบวนการบางอย่างมุ่งเน้นไปที่เรื่องราวบางกระบวนการในโรงละครเป็นเหตุการณ์และบางกระบวนการในโรงละครเป็นตัวกระตุ้นให้เกิดการเปลี่ยนแปลงทางสังคม คลาสสิกกรีกปรัชญา อริสโตเติลในตำราน้ำเชื้อของเขาฉันทลักษณ์ (ค. 335 คริสตศักราช) เป็นเก่าแก่ที่สุดเท่าที่รอดตายตัวอย่างและข้อโต้แย้งของมันมีอิทธิพลต่อทฤษฎีของโรงละครนับตั้งแต่ ^{[13] [14]}ในนั้นเขาเสนอเรื่องราวเกี่ยวกับสิ่งที่เขาเรียกว่า "กวีนิพนธ์" (คำในภาษากรีกแปลว่า "การสร้าง" และในบริบทนี้รวมถึงละคร - ตลก , โศกนาฏกรรมและบทละครเทพารักษ์ - เช่นเดียวกับบทกวี , บทกวีมหากาพย์และdithyramb ) เขาตรวจสอบ "หลักการแรก" และระบุประเภทและองค์ประกอบพื้นฐาน การวิเคราะห์โศกนาฏกรรมของเขาถือเป็นหัวใจหลักของการสนทนา ^[73]

อริสโตเติลให้เหตุผลว่าโศกนาฏกรรมประกอบด้วย 6 ส่วนเชิงคุณภาพซึ่ง ได้แก่ (ตามลำดับความสำคัญ) มิ ธ อสหรือ "พล็อต", ethosหรือ "ตัวละคร", ไดอาเนียหรือ "ความคิด", เล็กซิสหรือ " พจนานุกรม ", ทำนองหรือ "เพลง" และบทประพันธ์หรือ "ปรากฏการณ์" ^{[74] [75]} "แม้ว่ากวีนิพนธ์ของอริสโตเติลจะได้รับการยอมรับในระดับสากลในประเพณีวิพากษ์ตะวันตก " มาร์วินคาร์ลสันอธิบาย "เกือบทุกรายละเอียดเกี่ยวกับงานน้ำเชื้อของเขาได้กระตุ้นความคิดเห็นที่แตกต่างกัน" ^[76]ผู้ปฏิบัติงานด้านการละครที่สำคัญในศตวรรษที่ 20ได้แก่คอนสแตนตินสตานิสลาฟสกี , วีเซโวล็อดเมเยอร์โฮลด์, ฌาคโคเปเซา , เอ็ดเวิร์ดกอร์ดอนเครก , เบอร์ทอลท์เบรชต์ , แอนโทนินอาร์ทอด , โจแอนลิตเติลวูด , ปีเตอร์บรูค , เจอร์ซีกรูโทว์สกี้ , ออกุสโตโบล , ยูเจนิโอบาร์บา , ดาริโอโฟ , วิโอลาสโปลิน , คี ธ สโตนและโรเบิร์ตวิลสัน (ผู้อำนวยการ)

Stanislavski ถือว่าโรงละครเป็นรูปแบบศิลปะที่เป็นอิสระจากวรรณกรรมและเป็นสิ่งที่ควรเคารพการมีส่วนร่วมของนักเขียนบทละครในฐานะของศิลปินสร้างสรรค์เพียงกลุ่มเดียว ^{[77] [78] [79] [80] [t]}ผลงานสร้างสรรค์ของเขาที่มีต่อทฤษฎีการแสดงสมัยใหม่ยังคงเป็นหัวใจหลักของการฝึกฝนการแสดงแบบตะวันตกที่เป็นกระแสหลักในช่วงศตวรรษที่ผ่านมา ^{[81] [82] [83] [84] [85]}กฎหลายข้อของระบบการฝึกนักแสดงของเขาดูเหมือนจะเป็นสามัญสำนึก ^[86]นักแสดงมักใช้แนวคิดพื้นฐานของเขาโดยไม่รู้ว่าพวกเขาทำเช่นนั้น ^[86]ต้องขอบคุณการส่งเสริมและการทำอย่างละเอียดโดยการแสดงครูที่เคยเป็นนักเรียนและการแปลงานเขียนเชิงทฤษฎีของเขาจำนวนมาก 'ระบบ' ของ Stanislavski ได้รับความสามารถที่ไม่เคยมีมาก่อนในการข้ามพรมแดนทางวัฒนธรรมและพัฒนาการเข้าถึงระหว่างประเทศโดยมีการถกเถียงเกี่ยวกับการแสดงในยุโรปและ สหรัฐ. ^{[81] [87] [88] [89]}นักแสดงหลายคนมักจะเปรียบ 'ระบบ' ของเขากับวิธีอเมริกาเหนือแม้ว่าเทคนิคทางจิตวิทยาเฉพาะในยุคหลังจะมีความแตกต่างอย่างมากกับวิธีการหลายตัวแปรแบบองค์รวมและแบบจิตวิเคราะห์ของ Stanislavski ซึ่งสำรวจตัวละครและการกระทำทั้งจาก 'ภายในสู่ภายนอก' และ 'ภายนอกใน' และถือว่าจิตใจและร่างกายของนักแสดงเป็นส่วนหนึ่งของความต่อเนื่อง ^{[90] [91]}

อาคารแสดงละครที่อยู่ด้านหลังของ โรงละครแห่งรัฐเวียนนา

โรงละครสมมติความร่วมมือรูปแบบของการผลิตและส่วนรวมรูปแบบของการรับ โครงสร้างของตำราอย่างมากซึ่งแตกต่างจากรูปแบบอื่น ๆ ของวรรณกรรมเป็นผลโดยตรงจากการผลิตร่วมกันนี้และแผนกต้อนรับส่วนหน้ารวม ^[60]การผลิตละครมักจะเกี่ยวข้องกับผลงานจากนักเขียนบทละคร , ผู้อำนวยการเป็นนักแสดงของนักแสดงและเป็นทางด้านเทคนิคทีมผู้ผลิตที่มีการออกแบบที่สวยงามหรือชุด , แสงออกแบบ , ออกแบบเครื่องแต่งกาย , ออกแบบเสียง , เวที , ผู้จัดการฝ่ายผลิตและเทคนิค ผู้อำนวยการ. ทั้งนี้ขึ้นอยู่กับการผลิต, ทีมนี้ยังอาจรวมถึงนักแต่งเพลง , dramaturg , ออกแบบวิดีโอหรือผู้อำนวยการต่อสู้

หมุนหอประชุมที่โล่ง Pyynikki Summer Theater พิพิธภัณฑ์ใน Tampere , ฟินแลนด์

Stagecraft เป็นคำทั่วไปที่อ้างถึงด้านเทคนิคของการผลิตละครภาพยนตร์และวิดีโอ ซึ่งรวมถึง แต่ไม่ จำกัด เพียงการสร้างและตกแต่งทัศนียภาพการแขวนและการเน้นแสงการออกแบบและการจัดหาเครื่องแต่งกายการแต่งหน้าการจัดหาอุปกรณ์ประกอบฉากการจัดการเวทีและการบันทึกและการผสมผสานเสียง Stagecraft แตกต่างจากคำศัพท์ที่กว้างขึ้นของฉาก ถือเป็นเทคนิคมากกว่าสาขาศิลปะโดยเกี่ยวข้องกับการนำวิสัยทัศน์ทางศิลปะของนักออกแบบไปใช้งานจริงเป็นหลัก

ในรูปแบบพื้นฐานที่สุด stagecraft ได้รับการจัดการโดยบุคคลคนเดียว (มักจะเป็นผู้จัดการเวทีของการผลิตขนาดเล็ก) ซึ่งจัดเตรียมทิวทัศน์เครื่องแต่งกายแสงและเสียงทั้งหมดและจัดระเบียบนักแสดง ในระดับมืออาชีพมากขึ้นเช่นในบ้านบรอดเวย์สมัยใหม่การแสดงละครเวทีได้รับการจัดการโดยช่างไม้จิตรกรช่างไฟฟ้ามืออาชีพช่างเย็บวิกช่างทำผมและอื่น ๆ อีกมากมาย รูปแบบที่ทันสมัยของการแสดงละครเวทีนี้มีเทคนิคและความเชี่ยวชาญสูง: ประกอบด้วยสาขาย่อยมากมายและประวัติศาสตร์และประเพณีมากมาย สเตจคราฟต์ส่วนใหญ่อยู่ระหว่างสองสุดขั้วนี้ โรงละครในภูมิภาคและโรงละครชุมชนขนาดใหญ่โดยทั่วไปจะมีผู้อำนวยการด้านเทคนิคและนักออกแบบซึ่งแต่ละคนมีส่วนร่วมโดยตรงในการออกแบบตามลำดับ

มีการเคลื่อนไหวของโรงละครสมัยใหม่มากมายที่เกี่ยวข้องกับการผลิตละครในหลาย ๆ วิธี สถานประกอบการละครมีความซับซ้อนและวัตถุประสงค์แตกต่างกันไปอย่างมาก ผู้คนที่มีส่วนร่วมแตกต่างกันไปตั้งแต่มือใหม่และมือสมัครเล่น (ในโรงละครชุมชน) ไปจนถึงมืออาชีพ (ในละครบรอดเวย์และโปรดักชั่นที่คล้ายกัน) โรงละครสามารถดำเนินการได้ด้วยงบประมาณเชือกผูกรองเท้าหรือในระดับที่ยิ่งใหญ่ด้วยงบประมาณหลายล้านดอลลาร์ ความหลากหลายนี้ปรากฏให้เห็นในหมวดย่อยของโรงละครมากมายซึ่งรวมถึง:

• โรงละครบรอดเวย์และโรงละครWest End
• โรงละครริมถนน
• โรงละครชุมชน
• เล่นละคร
• โรงละครอาหารค่ำ
• โรงละคร Fringe
• นอกบรอดเวย์และนอกเวสต์เอนด์
• Off-Off-Broadway
• โรงละครระดับภูมิภาคในสหรัฐอเมริกา
• ทัวริ่งเธียเตอร์
• โรงละครฤดูร้อน

บริษัท ตัวแทน

Theatre Royal, Drury Lane , London, c. พ.ศ. 2364

ในขณะที่ บริษัท ละครสมัยใหม่ส่วนใหญ่ซ้อมละครทีละชิ้นให้แสดงเป็นชุด "วิ่ง" ปลดระวางชิ้นส่วนและเริ่มซ้อมการแสดงใหม่บริษัท ผู้จัดทำละครจะซ้อมการแสดงหลายรายการในคราวเดียว บริษัท เหล่านี้สามารถดำเนินการต่างๆเหล่านี้ได้ตามคำขอและมักจะทำงานเป็นเวลาหลายปีก่อนที่จะเลิกจ้าง บริษัท เต้นรำส่วนใหญ่ดำเนินการเกี่ยวกับระบบการแสดงนี้ โรงละคร Royal แห่งชาติในกรุงลอนดอนดำเนินการบนระบบละคร

โดยทั่วไปแล้วละครเวทีจะเกี่ยวข้องกับกลุ่มนักแสดงที่ประสบความสำเร็จในทำนองเดียวกันและต้องอาศัยชื่อเสียงของกลุ่มมากกว่านักแสดงดาราแต่ละคน นอกจากนี้ยังอาศัยการควบคุมที่เข้มงวดน้อยกว่าโดยผู้กำกับและการยึดมั่นในการแสดงละครน้อยลงเนื่องจากนักแสดงที่ทำงานร่วมกันในการผลิตหลายรายการสามารถตอบสนองซึ่งกันและกันได้โดยไม่ต้องพึ่งพาการประชุมหรือทิศทางภายนอกมากนัก ^[92]

การผลิตเทียบกับการนำเสนอ

ภายใน โรงละคร Teatro Colónซึ่งเป็นโรงละครสมัยใหม่

ในการที่จะใส่ชิ้นส่วนของโรงละครจำเป็นต้องมีทั้งคณะละครและสถานที่จัดแสดงละคร เมื่อ บริษัท โรงละครเป็น บริษัท เดียวในการพำนัก ณ สถานที่จัดแสดงโรงละครโรงละครแห่งนี้ (และ บริษัท โรงละครที่เกี่ยวข้อง) จะเรียกว่าโรงละครประจำหรือโรงละครเนื่องจากสถานที่จัดงานสร้างผลงานของตัวเอง บริษัท โรงละครอื่น ๆ ตลอดจน บริษัท เต้นรำที่ไม่มีสถานที่จัดแสดงละครของตัวเองแสดงที่โรงละครเช่าหรือโรงละครที่นำเสนอ ทั้งโรงภาพยนตร์เช่าและโรงภาพยนตร์ปัจจุบันไม่มี บริษัท ผู้พำนักเต็มเวลา อย่างไรก็ตามบางครั้งพวกเขามี บริษัท ที่พำนักอยู่นอกเวลาอย่างน้อยหนึ่งแห่งนอกเหนือจาก บริษัท พันธมิตรอิสระอื่น ๆ ที่จัดให้ใช้พื้นที่เมื่อมีพื้นที่ว่าง โรงละครเช่าช่วยให้ บริษัท อิสระสามารถหาที่ว่างได้ในขณะที่โรงละครที่นำเสนอจะพยายามหา บริษัท อิสระเพื่อสนับสนุนงานของพวกเขาโดยการนำเสนอบนเวทีของพวกเขา

กลุ่มการแสดงบางกลุ่มแสดงในพื้นที่ที่ไม่ใช่โรงละคร การแสดงดังกล่าวสามารถจัดขึ้นภายนอกหรือภายในพื้นที่การแสดงที่ไม่ใช่แบบดั้งเดิมและรวมถึงโรงละครริมถนนและโรงละครเฉพาะสถานที่ สถานที่จัดงานที่ไม่ใช่แบบดั้งเดิมสามารถใช้เพื่อสร้างสภาพแวดล้อมที่น่าสนใจหรือมีความหมายมากขึ้นสำหรับผู้ชม บางครั้งอาจมีการปรับเปลี่ยนอย่างหนักมากกว่าสถานที่จัดแสดงละครแบบดั้งเดิมหรือสามารถรองรับอุปกรณ์แสงและชุดต่างๆได้ ^[93]

บริษัท ท่องเที่ยวเป็นโรงละครหรือเต้นรำ บริษัท อิสระที่เดินทางบ่อย ๆ ในต่างประเทศที่ถูกนำเสนอที่โรงละครที่แตกต่างกันในแต่ละเมือง

สหภาพแรงงาน

มีสหภาพแรงงานของโรงละครหลายแห่ง ได้แก่ : สมาคมความเสมอภาคของนักแสดง (สำหรับนักแสดงและผู้จัดการเวที), สมาคมผู้กำกับเวทีและนักออกแบบท่าเต้น (SDC) และพันธมิตรระหว่างประเทศของพนักงานละครเวที (IATSE สำหรับนักออกแบบและช่างเทคนิค) โรงภาพยนตร์หลายแห่งต้องการให้พนักงานเป็นสมาชิกขององค์กรเหล่านี้

• Theatre Archive Project (UK) British Library & University of Sheffield.
• คอลเลคชันโรงละครมหาวิทยาลัยบริสตอล
• Music Hall and Theatre History of Britain and Ireland