ศิลปะ

พาโนรามาของส่วนของ A Thousand ลี่ของภูเขาและแม่น้ำ , ภาพวาดในศตวรรษที่ 12 โดยราชวงศ์ซ่ศิลปิน หวังชิเมิง

ในมุมมองของประวัติศาสตร์ศิลปะ^[10]ผลงานทางศิลปะมีอยู่นานพอ ๆ กับมนุษยชาติ: ตั้งแต่ศิลปะยุคก่อนประวัติศาสตร์จนถึงศิลปะร่วมสมัย ; แม้กระนั้นนักทฤษฎีบางคนรู้สึกว่าแนวคิดทั่วไปของ "ผลงานศิลปะ" นั้นเข้ากับสังคมตะวันตกสมัยใหม่ได้น้อยกว่า ^[11]ความรู้สึกแรกเริ่มของคำจำกัดความของศิลปะมีความสัมพันธ์อย่างใกล้ชิดกับความหมายภาษาละตินที่เก่ากว่าซึ่งแปลได้คร่าวๆว่า "ทักษะ" หรือ "งานฝีมือ" ซึ่งเกี่ยวข้องกับคำต่างๆเช่น "ช่างฝีมือ" คำภาษาอังกฤษที่ได้มาจากความหมายนี้รวมถึงสิ่งประดิษฐ์ , เทียม , อุบาย , ศิลปะการแพทย์และศิลปะการทหาร แต่มีการใช้หลายภาษาอื่น ๆ ของคำว่าทั้งหมดที่มีความสัมพันธ์กับของรากศัพท์

ขวดในศตวรรษที่ 20, ชาวTwa , รวันดา, ผลงานทางศิลปะอาจใช้ประโยชน์ได้จริงนอกเหนือจากมูลค่าการตกแต่ง

เมื่อเวลาผ่านไปนักปรัชญาเช่นเพลโต , อริสโตเติล , โสกราตีสและคานท์หมู่คนถามความหมายของศิลปะ ^[12]บทสนทนาหลายบทในเพลโตจัดการกับคำถามเกี่ยวกับศิลปะ: โสเครตีสกล่าวว่ากวีนิพนธ์ได้รับแรงบันดาลใจจากบทเพลงและไม่เป็นเหตุเป็นผล เขาพูดอย่างเห็นด้วยกับเรื่องนี้และรูปแบบอื่น ๆ ของความบ้าคลั่งของพระเจ้า (การเมาการเสพกามและการฝัน) ในPhaedrus (265a – c) แต่ในสาธารณรัฐก็ต้องการให้งานศิลปะบทกวีที่ยิ่งใหญ่ของโฮเมอร์นอกกฎหมายและเสียงหัวเราะด้วยเช่นกัน ในไอออนโสกราตีสให้คำใบ้ของความไม่พอใจของโฮเมอร์ที่เขาแสดงออกในไม่มีก บทสนทนาIonแสดงให้เห็นว่าอีเลียดของโฮเมอร์ทำงานในโลกกรีกโบราณเหมือนที่พระคัมภีร์ทำในโลกคริสเตียนสมัยใหม่ในปัจจุบัน: เป็นงานศิลปะที่ได้รับการดลใจจากพระเจ้าซึ่งสามารถให้คำแนะนำทางศีลธรรมได้หากสามารถตีความได้อย่างเหมาะสมเท่านั้น ^[13]

ด้วยการไปถึงศิลปะวรรณกรรมและศิลปะดนตรีอริสโตเติลถือว่าเป็นบทกวีมหากาพย์โศกนาฏกรรม, ตลก, Dithyrambicบทกวีและเพลงที่จะลอกเลียนแบบหรือลอกเลียนแบบศิลปะแต่ละแตกต่างกันในการเลียนแบบโดยกลางวัตถุและลักษณะ ^[14]ตัวอย่างเช่นดนตรีเลียนแบบโดยสื่อถึงจังหวะและความกลมกลืนในขณะที่การเต้นรำเลียนแบบจังหวะเพียงอย่างเดียวและบทกวีด้วยภาษา รูปแบบยังแตกต่างกันไปในเรื่องของการเลียนแบบ ตัวอย่างเช่นตลกคือการเลียนแบบผู้ชายอย่างมากที่แย่กว่าค่าเฉลี่ย ในขณะที่โศกนาฏกรรมเลียนแบบผู้ชายได้ดีกว่าค่าเฉลี่ยเล็กน้อย สุดท้ายแล้วรูปแบบจะแตกต่างกันไปในลักษณะการเลียนแบบ - ผ่านการเล่าเรื่องหรือตัวละครผ่านการเปลี่ยนแปลงหรือไม่มีการเปลี่ยนแปลงและผ่านละครหรือไม่มีละคร ^[15]อริสโตเติลเชื่อว่าการเลียนแบบเป็นเรื่องธรรมชาติสำหรับมนุษย์และถือเป็นข้อดีอย่างหนึ่งของมนุษย์ที่มีเหนือสัตว์ ^[16]

ความหมายล่าสุดและเฉพาะเจาะจงของคำว่าศิลปะเป็นคำย่อของศิลปะสร้างสรรค์หรือวิจิตรศิลป์เกิดขึ้นในช่วงต้นศตวรรษที่ 17 ^[17]วิจิตรศิลป์หมายถึงทักษะที่ใช้ในการแสดงความคิดสร้างสรรค์ของศิลปินหรือเพื่อดึงดูดความรู้สึกทางสุนทรียะของผู้ชมหรือเพื่อดึงดูดผู้ชมให้พิจารณางานศิลปะที่ละเอียดกว่าหรือละเอียดกว่า

ในแง่หลังนี้คำว่าศิลปะอาจหมายถึงหลายสิ่ง: (i) การศึกษาทักษะความคิดสร้างสรรค์ (ii) กระบวนการใช้ทักษะความคิดสร้างสรรค์ (iii) ผลงานของทักษะการสร้างสรรค์หรือ (iv) ประสบการณ์ของผู้ชมด้วยทักษะการสร้างสรรค์ ศิลปะสร้างสรรค์ ( ศิลปะเป็นระเบียบวินัย) คือชุดของสาขาวิชาที่ผลิตงานศิลปะ ( ศิลปะเป็นวัตถุ) ที่บังคับโดยแรงขับส่วนบุคคล (ศิลปะเป็นกิจกรรม) และถ่ายทอดข้อความอารมณ์หรือสัญลักษณ์เพื่อให้ผู้รับรู้ตีความ (ศิลปะเป็น ประสบการณ์). ศิลปะเป็นสิ่งที่กระตุ้นความคิดอารมณ์ความเชื่อหรือความคิดของแต่ละบุคคลผ่านทางประสาทสัมผัส งานศิลปะสามารถสร้างขึ้นอย่างชัดเจนเพื่อจุดประสงค์นี้หรือตีความโดยใช้รูปภาพหรือวัตถุ สำหรับนักวิชาการบางคนเช่นคานท์วิทยาศาสตร์และศิลปะสามารถแยกแยะได้โดยใช้วิทยาศาสตร์เป็นตัวแทนขอบเขตของความรู้และศิลปะเป็นตัวแทนขอบเขตของเสรีภาพในการแสดงออกทางศิลปะ ^[18]

บ่อยครั้งหากมีการใช้ทักษะร่วมกันหรือใช้งานได้จริงผู้คนจะมองว่าเป็นงานฝีมือแทนที่จะเป็นงานศิลปะ ในทำนองเดียวกันหากมีการนำทักษะไปใช้ในเชิงพาณิชย์หรือเชิงอุตสาหกรรมอาจถือว่าเป็นงานศิลปะเชิงพาณิชย์แทนงานศิลปะ บนมืออื่น ๆ , งานฝีมือและการออกแบบที่ได้รับการพิจารณาบางครั้งศิลปะประยุกต์ ผู้ติดตามงานศิลปะบางคนแย้งว่าความแตกต่างระหว่างวิจิตรศิลป์และศิลปะประยุกต์มีส่วนเกี่ยวข้องกับการตัดสินคุณค่าเกี่ยวกับศิลปะมากกว่าความแตกต่างของคำจำกัดความที่ชัดเจน ^[19]อย่างไรก็ตามแม้แต่งานศิลปะก็มักจะมีเป้าหมายที่นอกเหนือไปจากความคิดสร้างสรรค์และการแสดงตัวตนที่บริสุทธิ์ วัตถุประสงค์ของงานศิลปะอาจเพื่อสื่อสารความคิดเช่นในงานศิลปะทางการเมืองจิตวิญญาณหรือเชิงปรัชญา เพื่อสร้างความสวยงาม (ดูสุนทรียภาพ ); เพื่อสำรวจธรรมชาติของการรับรู้ เพื่อความสุข; หรือสร้างอารมณ์ที่รุนแรง จุดประสงค์อาจดูเหมือนไม่มีอยู่จริง

ธรรมชาติของศิลปะได้รับการอธิบายโดยนักปรัชญาRichard Wollheimว่าเป็น "หนึ่งในปัญหาดั้งเดิมที่เข้าใจยากที่สุดของวัฒนธรรมมนุษย์" ^[20]ศิลปะได้รับการกำหนดให้เป็นยานพาหนะสำหรับการแสดงออกหรือการสื่อสารของอารมณ์และความคิดวิธีการสำหรับการสำรวจและเห็นคุณค่าเป็นองค์ประกอบอย่างเป็นทางการเพื่อประโยชน์ของตัวเองและเป็นสำเนาหรือตัวแทน ศิลปะเป็นสำเนาได้หยั่งรากลึกในปรัชญาของอริสโตเติล ^[21] ลีโอตอลสตอยระบุว่าศิลปะเป็นการใช้วิธีทางอ้อมในการสื่อสารจากคนหนึ่งไปยังอีกคนหนึ่ง ^[21] เบเนเดตโตโครเชและอาร์จีคอลลิงวูดได้เพิ่มมุมมองของนักอุดมคติที่ว่าศิลปะแสดงออกถึงอารมณ์และงานศิลปะจึงมีอยู่ในใจของผู้สร้างเป็นหลัก ^{[22] [23]}ทฤษฎีของศิลปะเป็นแบบฟอร์มที่มีรากในปรัชญาของคานท์และได้รับการพัฒนาในต้นศตวรรษที่ 20 โดยโรเจอร์ทอดและไคลฟ์เบลล์ เมื่อไม่นานมานี้นักคิดที่ได้รับอิทธิพลจากMartin Heideggerได้ตีความว่าศิลปะเป็นวิธีการที่ชุมชนพัฒนาขึ้นเพื่อเป็นสื่อในการแสดงออกและการตีความในตัวเอง ^[24] จอร์จดิกกี้ได้เสนอทฤษฎีศิลปะเชิงสถาบันที่กำหนดงานศิลปะว่าเป็นสิ่งประดิษฐ์ใด ๆ ที่ผู้ทรงคุณวุฒิหรือบุคคลที่ทำหน้าที่ในนามของสถาบันทางสังคมที่เรียกกันโดยทั่วไปว่า " โลกแห่งศิลปะ " ได้มอบ "สถานะของ ผู้สมัครเพื่อชื่นชม ". ^[25]แลร์รีชินเนอร์ได้อธิบายถึงงานศิลปะที่วิจิตรว่า "ไม่ใช่สาระสำคัญหรือโชคชะตา แต่เป็นสิ่งที่เราสร้างขึ้นศิลปะอย่างที่เราเข้าใจกันโดยทั่วไปว่ามันเป็นสิ่งประดิษฐ์ของชาวยุโรปที่มีอายุเกือบสองร้อยปี" ^[26]

ศิลปะอาจมีลักษณะเฉพาะในแง่ของmimesis (เป็นตัวแทนของความเป็นจริง) การเล่าเรื่อง (การเล่าเรื่อง) การแสดงออกการสื่อสารอารมณ์หรือคุณสมบัติอื่น ๆ ในช่วงยุคโรแมนติกศิลปะถูกมองว่าเป็น "คณะพิเศษของจิตใจมนุษย์ที่จัดอยู่ในศาสนาและวิทยาศาสตร์" ^[27]

ดาวรุ่งของ Willendorf , ประมาณ 24,000-22,000  BP

ด้านหลังของอ่างรูปไข่แบบเรอเนสซองส์หรือจานใน พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน

เปลือกหอยที่สลักโดยHomo erectusถูกกำหนดว่ามีอายุระหว่าง 430,000 ถึง 540,000 ปี ^[28]กรงเล็บนกอินทรีหางขาวอายุ 130,000 ปีจำนวนแปดตัวมีรอยตัดและรอยถลอกซึ่งบ่งบอกถึงการจัดการของมนุษย์ยุคกลางซึ่งอาจใช้เป็นเครื่องประดับได้ ^[29]ชุดหอยทากขนาดเล็กเจาะรูอายุประมาณ 75,000 ปีถูกค้นพบในถ้ำแอฟริกาใต้ ^[30]ภาชนะบรรจุที่อาจใช้ในการเก็บสีถูกพบว่ามีอายุย้อนหลังไปถึง 100,000 ปี ^[31]

ประติมากรรมภาพเขียนถ้ำ , ภาพวาดร็อคและpetroglyphsจากสังคมยุคเดทประมาณ 40,000 ปีที่ผ่านมาได้รับการค้นพบ^[32]แต่ความหมายของศิลปะดังกล่าวมักจะโต้แย้งเพราะเล็ก ๆ น้อย ๆ เป็นที่รู้จักกันเกี่ยวกับวัฒนธรรมที่ผลิตพวกเขา

ภาพวาดถ้ำของม้าจาก ถ้ำ Lascaux ประมาณ 16,000 BP

ประเพณีที่ดีมากในศิลปะมีรากฐานในศิลปะของการเป็นหนึ่งในอารยธรรมโบราณที่ยิ่งใหญ่นี้: อียิปต์โบราณ , โสโปเตเมีย , เปอร์เซีย , อินเดีย, จีน, กรีกโบราณ, โรมเช่นเดียวกับอินคา , มายาและOlmec ศูนย์กลางของอารยธรรมยุคแรกแต่ละแห่งได้พัฒนารูปแบบที่เป็นเอกลักษณ์และมีลักษณะเฉพาะในงานศิลปะ เนื่องจากขนาดและระยะเวลาของอารยธรรมเหล่านี้ผลงานศิลปะของพวกเขาจึงรอดชีวิตมาได้มากขึ้นและอิทธิพลของพวกเขาได้ถูกถ่ายทอดไปยังวัฒนธรรมอื่น ๆ และในเวลาต่อมา บางคนยังได้จัดทำบันทึกครั้งแรกเกี่ยวกับวิธีการทำงานของศิลปิน ตัวอย่างเช่นศิลปะกรีกในช่วงนี้เห็นความเคารพในรูปแบบทางกายภาพของมนุษย์และการพัฒนาทักษะที่เทียบเท่ากันในการแสดงกล้ามเนื้อความสุขุมความงามและสัดส่วนที่ถูกต้องตามหลักกายวิภาค ^[33]

ในศิลปะไบแซนไทน์และยุคกลางของยุคกลางตะวันตกศิลปะส่วนใหญ่มุ่งเน้นไปที่การแสดงออกของหัวเรื่องเกี่ยวกับวัฒนธรรมในพระคัมภีร์ไบเบิลและศาสนาและใช้รูปแบบที่แสดงให้เห็นถึงความรุ่งเรืองที่สูงขึ้นของโลกสวรรค์เช่นการใช้ทองคำเป็นพื้นหลังของภาพวาด หรือกระจกในกระเบื้องโมเสคหรือหน้าต่างซึ่งนำเสนอตัวเลขในรูปแบบที่มีลวดลาย (แบน) ในอุดมคติ อย่างไรก็ตามประเพณีจริงคลาสสิกยังคงอยู่ในงานไบเซนไทน์ขนาดเล็กและความสมจริงมากขึ้นเรื่อย ๆ ในงานศิลปะของคาทอลิกยุโรป ^[34]

ศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาได้ให้ความสำคัญเพิ่มขึ้นอย่างมากกับการพรรณนาถึงโลกวัตถุและสถานที่ของมนุษย์ที่อยู่ในนั้นซึ่งสะท้อนให้เห็นในร่างกายมนุษย์และการพัฒนาวิธีการที่เป็นระบบของมุมมองกราฟิกเพื่อพรรณนาถึงภาวะถดถอยในรูปแบบสามมิติ พื้นที่ภาพ ^[35]

ลายเซ็นเฉพาะตัวของ สุลต่าน มะห์มุดครั้งที่สองของ จักรวรรดิออตโตมันถูกเขียนใน อิสลามบรรจง มันอ่านว่า "มะห์มุดข่านบุตรชายของอับดุลฮามิดจะได้รับชัยชนะตลอดไป"

มัสยิดใหญ่แห่ง Kairouanในตูนิเซียเรียกว่ามัสยิด Uqba เป็นหนึ่งในสิ่งที่ดีที่สุดอย่างมีนัยสำคัญมากที่สุดและดีที่สุดรักษาตัวอย่างศิลปะและสถาปัตยกรรมมัสยิดที่ดีในช่วงต้น ตั้งอยู่ในสภาพปัจจุบันตั้งแต่ศตวรรษที่ 9 เป็นต้นมาและเป็นต้นแบบของมัสยิดทั้งหมดในดินแดนอิสลามตะวันตก ^[36]

อยู่ทางทิศตะวันออกศิลปะอิสลาม 's ปฏิเสธยึดถือนำไปสู่ความสำคัญกับรูปแบบทางเรขาคณิต , การประดิษฐ์ตัวอักษรและสถาปัตยกรรม ^[37]ไกลออกไปทางตะวันออกศาสนาได้ครอบงำรูปแบบและรูปแบบทางศิลปะด้วยเช่นกัน อินเดียและทิเบตให้ความสำคัญกับการวาดภาพประติมากรรมและการเต้นรำในขณะที่ภาพวาดทางศาสนายืมการประชุมจำนวนมากจากประติมากรรมและมีแนวโน้มที่จะใช้สีที่ตัดกันสดใสโดยเน้นที่โครงร่าง จีนได้เห็นความเฟื่องฟูของศิลปะหลายรูปแบบเช่นการแกะสลักหยกงานสัมฤทธิ์เครื่องปั้นดินเผา (รวมถึงกองทัพดินเผาอันน่าทึ่งของจักรพรรดิฉิน^[38] ) กวีนิพนธ์การประดิษฐ์ตัวอักษรดนตรีภาพวาดละครนิยาย ฯลฯ รูปแบบของจีนแตกต่างกันไปมากในแต่ละยุค ยุคสมัยและแต่ละยุคถูกตั้งชื่อตามราชวงศ์ที่ปกครอง ตัวอย่างเช่นภาพวาดสมัยราชวงศ์ถังเป็นภาพสีเดียวและแบบเบาบางโดยเน้นทิวทัศน์ในอุดมคติ แต่ภาพวาดสมัยราชวงศ์หมิงจะยุ่งและมีสีสันและเน้นการเล่าเรื่องราวผ่านฉากและองค์ประกอบภาพ ^[39]ญี่ปุ่นตั้งชื่อรูปแบบตามราชวงศ์เช่นกันและยังเห็นความสัมพันธ์ระหว่างรูปแบบของการประดิษฐ์ตัวอักษรและภาพวาด การพิมพ์บล็อกไม้กลายเป็นสิ่งสำคัญในญี่ปุ่นหลังศตวรรษที่ 17 ^[40]

จิตรกรรมโดย Ma Lin ศิลปิน แห่งราชวงศ์ซ่งประมาณค.ศ. 1250 24.8 × 25.2 ซม

ยุคแห่งการตรัสรู้ทางตะวันตกในศตวรรษที่ 18 ได้เห็นภาพศิลปะของการรับรองทางกายภาพและความมีเหตุผลของจักรวาลเครื่องจักรตลอดจนวิสัยทัศน์การปฏิวัติทางการเมืองของโลกยุคหลังราชาธิปไตยเช่นภาพของเบลคที่นิวตันเป็นเครื่องวัดระยะทางของพระเจ้า^{[41 ]}หรือภาพวาดโฆษณาชวนเชื่อของเดวิด นี้นำไปสู่โรแมนติกปฏิเสธเรื่องนี้ในความโปรดปรานของภาพของทางด้านอารมณ์และความแตกต่างของมนุษย์สุดขั้วในนวนิยายของเกอเธ่ ในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 แล้วเห็นโฮสต์ของการเคลื่อนไหวทางศิลปะเช่นวิชาการศิลปะ , สัญลักษณ์ , ฤษีและFauvismหมู่คนอื่น ๆ ^{[42] [43]}

ประวัติศาสตร์ของศิลปะในศตวรรษที่ 20 เป็นการเล่าถึงความเป็นไปได้ที่ไม่มีที่สิ้นสุดและการค้นหามาตรฐานใหม่ซึ่งแต่ละอย่างจะถูกทำลายลงตามลำดับต่อไป ดังนั้นพารามิเตอร์ของImpressionism , Expressionism , Fauvism , Cubism , Dadaism , Surrealismและอื่น ๆ จึงไม่สามารถคงไว้ได้มากเกินกว่าเวลาที่พวกเขาคิดค้นขึ้น การเพิ่มปฏิสัมพันธ์ทั่วโลกในช่วงเวลานี้ทำให้เห็นว่าวัฒนธรรมอื่นมีอิทธิพลเทียบเท่ากับศิลปะตะวันตก ดังนั้นภาพพิมพ์แกะไม้ของญี่ปุ่น (ซึ่งได้รับอิทธิพลจากการร่างแบบศิลปวิทยาการตะวันตก) จึงมีอิทธิพลอย่างมากต่อลัทธิประทับใจและพัฒนาการที่ตามมา ต่อมาPicasso ได้รับผลงานประติมากรรมของชาวแอฟริกันและMatisse ในระดับหนึ่ง ในทำนองเดียวกันในศตวรรษที่ 19 และ 20 ตะวันตกมีผลกระทบอย่างมากต่อศิลปะตะวันออกโดยมีแนวคิดแบบตะวันตกเดิมเช่นคอมมิวนิสต์และยุคหลังสมัยใหม่ที่มีอิทธิพลอย่างมาก ^[44]

สมัยใหม่ซึ่งเป็นการค้นหาความจริงในเชิงอุดมคติทำให้ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 ได้ตระหนักถึงความไม่สามารถบรรลุได้ Theodor W. Adornoกล่าวในปี 1970 ว่า "ตอนนี้ถือว่าไม่มีสิ่งใดที่เกี่ยวข้องกับศิลปะที่จะถูกนำมาพิจารณาได้อีกแล้วทั้งศิลปะเองหรือศิลปะที่เกี่ยวข้องกับภาพรวมหรือแม้แต่สิทธิของศิลปะที่มีอยู่" ^[45] สัมพัทธภาพได้รับการยอมรับว่าเป็นความจริงที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ซึ่งนำไปสู่ช่วงเวลาของศิลปะร่วมสมัยและการวิจารณ์หลังสมัยใหม่ซึ่งวัฒนธรรมของโลกและประวัติศาสตร์ถูกมองว่าเป็นการเปลี่ยนแปลงรูปแบบซึ่งสามารถชื่นชมและดึงออกมาจากความสงสัยและการประชดเท่านั้น นอกจากนี้การแยกวัฒนธรรมยังเบลอมากขึ้นเรื่อย ๆ และบางคนโต้แย้งว่าตอนนี้เหมาะสมกว่าที่จะคิดในแง่ของวัฒนธรรมโลกมากกว่าวัฒนธรรมในภูมิภาค ^[46]

มาร์ตินไฮเดกเกอร์ (Martin Heidegger) นักปรัชญาและนักคิดชาวเยอรมันในต้นกำเนิดของผลงานศิลปะกล่าวถึงแก่นแท้ของศิลปะในแง่ของแนวคิดเรื่องความเป็นอยู่และความจริง เขาระบุว่าศิลปะไม่ได้เป็นเพียงวิธีการแสดงองค์ประกอบของความจริงในวัฒนธรรมเท่านั้น แต่ยังเป็นวิธีการสร้างและสร้างสปริงบอร์ดซึ่งสามารถเปิดเผย "สิ่งที่เป็น" ได้ งานศิลปะไม่ได้เป็นเพียงการนำเสนอสิ่งต่างๆเท่านั้น แต่ก่อให้เกิดความเข้าใจร่วมกันของชุมชน ทุกครั้งที่มีการเพิ่มงานศิลปะใหม่ในวัฒนธรรมใด ๆ ความหมายของสิ่งที่มีอยู่จะเปลี่ยนไปโดยเนื้อแท้

ในอดีตทักษะและความคิดทางศิลปะและศิลปะมักแพร่กระจายผ่านทางการค้า ตัวอย่างนี้คือเส้นทางสายไหมซึ่งอิทธิพลของขนมผสมน้ำยาอิหร่านอินเดียและจีนสามารถผสมผสานกันได้ พุทธศิลป์เกรโกเป็นหนึ่งในตัวอย่างที่ชัดเจนที่สุดของปฏิสัมพันธ์นี้ การพบกันของวัฒนธรรมและมุมมองที่แตกต่างกันยังมีอิทธิพลต่อการสร้างสรรค์ทางศิลปะ ตัวอย่างของเมืองนี้คือเมืองท่าที่มีความหลากหลายทางวัฒนธรรมของเมือง Triesteเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 ซึ่ง James Joyce ได้พบกับนักเขียนจากยุโรปกลางและพัฒนาการทางศิลปะของเมืองนิวยอร์กในฐานะแหล่งหลอมรวมทางวัฒนธรรม ^{[47] [48] [49]}

Napoleon I on his Imperial Throne by Ingres (French, 1806), oil on canvas

ศิลปะสร้างสรรค์มักแบ่งออกเป็นหมวดหมู่ที่เฉพาะเจาะจงมากขึ้นโดยทั่วไปจะเป็นหมวดหมู่ที่แยกแยะได้เช่นสื่อประเภทรูปแบบและรูปแบบ ^[50] รูปแบบศิลปะหมายถึงองค์ประกอบของศิลปะที่ไม่ขึ้นอยู่กับการตีความหรือความสำคัญ มันครอบคลุมวิธีการที่นำโดยศิลปินและทางกายภาพองค์ประกอบของงานศิลปะด้านหลักไม่ใช่ความหมายของการทำงาน (เช่นfigurae ) ^[51]เช่นสี , รูปร่าง , มิติ , กลาง , ทำนอง , พื้นที่ , พื้นผิวและมูลค่า . แบบฟอร์มยังอาจรวมถึงหลักการออกแบบภาพเช่นการจัดสมดุล , ความคมชัด , ความสำคัญ , ความสามัคคี , สัดส่วน , ใกล้ชิดและจังหวะ ^[52]

โดยทั่วไปมีโรงเรียนปรัชญาเกี่ยวกับศิลปะสามแห่งโดยเน้นที่รูปแบบเนื้อหาและบริบทตามลำดับ ^[52] Extreme Formalismคือมุมมองที่ว่าคุณสมบัติทางสุนทรียศาสตร์ทั้งหมดของศิลปะนั้นเป็นทางการ (นั่นคือส่วนหนึ่งของรูปแบบศิลปะ) นักปรัชญาแทบจะปฏิเสธมุมมองนี้ในระดับสากลและถือได้ว่าคุณสมบัติและสุนทรียภาพของงานศิลปะนั้นมีมากกว่าวัสดุเทคนิคและรูปแบบ ^[53]น่าเสียดายที่มีความเห็นตรงกันเพียงเล็กน้อยเกี่ยวกับคำศัพท์สำหรับคุณสมบัติที่ไม่เป็นทางการเหล่านี้ ผู้เขียนบางคนอ้างถึงหัวข้อและเนื้อหาเช่นการแสดงความหมายและความหมาย - ในขณะที่บางคนชอบคำที่มีความหมายและความสำคัญ ^[52]

การแสดงเจตจำนงอย่างรุนแรงถือได้ว่าเจตนาของผู้เขียนมีบทบาทชี้ขาดในความหมายของงานศิลปะโดยถ่ายทอดเนื้อหาหรือแนวคิดหลักที่สำคัญในขณะที่การตีความอื่น ๆ ทั้งหมดสามารถละทิ้งได้ ^[54]กำหนดหัวเรื่องว่าบุคคลหรือความคิดเป็นตัวแทน^[55]และเนื้อหาเป็นประสบการณ์ของศิลปินในเรื่องนั้น ^[56]ตัวอย่างเช่นองค์ประกอบของนโปเลียนผมของเขาอิมพีเรียลบัลลังก์ยืมมาส่วนหนึ่งจากเทวรูปซูสที่โอลิมเปีย ตามที่เห็นได้จากชื่อเรื่องหัวเรื่องคือนโปเลียนและเนื้อหาเป็นการแสดงถึงนโปเลียนของIngresในฐานะ "จักรพรรดิ - พระเจ้าที่อยู่เหนือกาลเวลาและอวกาศ" ^[52]ในทำนองเดียวกันกับพิธีมากนักปรัชญามักจะปฏิเสธ intentionalism มากเพราะศิลปะอาจจะมีความหมายคลุมเครือหลายและความตั้งใจ authorial อาจจะหยั่งรู้และไม่เกี่ยวข้องจึง การตีความที่ จำกัด คือ "สังคมไม่แข็งแรงปรัชญาไม่จริงและไม่ฉลาดทางการเมือง" ^[52]

ในที่สุดทฤษฎีการพัฒนาของหลังโครงสร้างนิยมศึกษาความสำคัญของศิลปะในบริบททางวัฒนธรรมเช่นความคิดอารมณ์และปฏิกิริยาที่เกิดจากงาน ^[57]บริบททางวัฒนธรรมมักลดลงไปที่เทคนิคและความตั้งใจของศิลปินซึ่งในกรณีนี้การวิเคราะห์ดำเนินไปตามแนวที่คล้ายคลึงกับพิธีการและความตั้งใจ อย่างไรก็ตามในกรณีอื่น ๆ เงื่อนไขทางประวัติศาสตร์และทางวัตถุอาจมีอิทธิพลเหนือกว่าเช่นความเชื่อมั่นทางศาสนาและปรัชญาโครงสร้างทางการเมืองและเศรษฐกิจหรือแม้แต่สภาพภูมิอากาศและภูมิศาสตร์ การวิจารณ์ศิลปะยังคงเติบโตและพัฒนาควบคู่ไปกับงานศิลปะ ^[52]

ทักษะและงานฝีมือ

การสร้างอดัมรายละเอียดจาก จิตรกรรมฝาผนังของ Michelangeloใน โบสถ์ Sistine (1511)

ศิลปะสามารถแสดงความหมายความรู้สึกของความสามารถในการฝึกอบรมหรือการเรียนรู้ของเป็นขนาดกลาง ศิลปะยังสามารถอ้างถึงการใช้ภาษาที่พัฒนาและมีประสิทธิภาพเพื่อสื่อความหมายด้วยความฉับไวหรือเชิงลึก ศิลปะสามารถกำหนดได้ว่าเป็นการแสดงความรู้สึกความคิดและการสังเกต ^[58]

มีความเข้าใจที่เข้าถึงได้จากเนื้อหาอันเป็นผลมาจากการจัดการกับสิ่งนั้นซึ่งเอื้อต่อกระบวนการคิดของคน ๆ หนึ่ง มุมมองทั่วไปคือคำว่า "ศิลปะ" โดยเฉพาะอย่างยิ่งในแง่ที่สูงขึ้นนั้นต้องอาศัยความเชี่ยวชาญด้านการสร้างสรรค์ของศิลปินในระดับหนึ่งไม่ว่าจะเป็นการแสดงความสามารถทางเทคนิคความคิดริเริ่มในรูปแบบโวหารหรือการผสมผสานทั้งสองอย่างนี้เข้าด้วยกัน ทักษะในการประหารชีวิตตามเนื้อผ้าถูกมองว่าเป็นคุณภาพที่ไม่สามารถแยกออกจากงานศิลปะได้ดังนั้นจึงจำเป็นสำหรับความสำเร็จ สำหรับLeonardo da Vinciศิลปะไม่มากไปกว่าความพยายามอื่น ๆ ของเขาเป็นการแสดงให้เห็นถึงทักษะ ^[59] ผลงานของRembrandtซึ่งปัจจุบันได้รับการยกย่องในเรื่องคุณธรรมที่ไม่จีรังได้รับการชื่นชมมากที่สุดจากคนรุ่นเดียวกันในเรื่องความมีคุณธรรม ^[60]ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 20 การแสดงของจอห์นซิงเกอร์ซาร์เจนท์ได้รับการชื่นชมสลับกันไปและถูกมองด้วยความสงสัยในความคล่องแคล่วของพวกเขา^[61]แต่ในขณะเดียวกันก็เป็นศิลปินที่จะกลายเป็นศิลปินที่ได้รับการยอมรับและเป็นที่รู้จักมากที่สุดในยุคนั้นPablo Picassoซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของ Iconoclast กำลังจบการฝึกอบรมทางวิชาการแบบดั้งเดิมซึ่งเขาเก่งมาก ^{[62] [63]}

รายละเอียดของ เลโอนาร์โดดาวินชี 's Mona Lisa , C 1503–1506 แสดงเทคนิคการวาดภาพของ sfumato

การวิจารณ์ร่วมสมัยที่พบบ่อยเกี่ยวกับศิลปะสมัยใหม่บางส่วนเกิดขึ้นตามแนวของการคัดค้านการขาดทักษะหรือความสามารถที่จำเป็นในการผลิตวัตถุทางศิลปะอย่างชัดเจน ในงานศิลปะแนวความคิด" Fountain " ของMarcel Duchampเป็นหนึ่งในตัวอย่างชิ้นแรก ๆ ที่ศิลปินใช้วัตถุที่พบ ("สำเร็จรูป") และไม่ได้ใช้ทักษะที่เป็นที่ยอมรับแบบดั้งเดิม ^[64] Tracey Emin 's เตียงหรือDamien Hirst ' s ทางกายภาพเป็นไปไม่ได้ของการตายในใจของใครบางคนอยู่ทำตามตัวอย่างนี้และยังจัดการกับสื่อมวลชน Emin นอนหลับ (และทำกิจกรรมอื่น ๆ ) บนเตียงของเธอก่อนที่จะวางผลงานในแกลเลอรีเป็นงานศิลปะ Hirst ได้ออกแบบแนวความคิดสำหรับงานศิลปะ แต่ได้ทิ้งการสร้างสรรค์ผลงานส่วนใหญ่ไว้ให้กับช่างฝีมือในที่สุด คนดังของ Hirst มีพื้นฐานมาจากความสามารถของเขาในการสร้างแนวคิดที่น่าตกใจ ^[65]การผลิตจริงในงานศิลปะแนวความคิดและร่วมสมัยจำนวนมากเป็นเรื่องของการประกอบวัตถุที่พบ อย่างไรก็ตามมีหลายสมัยใหม่และร่วมสมัยศิลปินที่ยังคง Excel ในทักษะการวาดภาพและการวาดภาพและในการสร้างมือในงานศิลปะ ^[66]

นาวาโฮพรมทำ ประมาณ 1880

ซาราบิค Beatusขนาดเล็ก สเปนปลายศตวรรษที่ 10

ศิลปะมีฟังก์ชั่นที่แตกต่างกันมากมายตลอดประวัติศาสตร์ทำให้จุดประสงค์ของมันยากที่จะเป็นนามธรรมหรือหาจำนวนไปสู่แนวคิดใด ๆ สิ่งนี้ไม่ได้หมายความว่าจุดประสงค์ของงานศิลปะนั้น "คลุมเครือ" แต่มีเหตุผลที่แตกต่างและไม่เหมือนใครในการสร้างขึ้น ฟังก์ชั่นศิลปะเหล่านี้บางส่วนมีให้ในโครงร่างต่อไปนี้ วัตถุประสงค์ของงานศิลปะที่แตกต่างกันอาจถูกจัดกลุ่มตามสิ่งที่ไม่ได้รับแรงบันดาลใจและสิ่งที่มีแรงจูงใจ (Lévi-Strauss) ^[67]

ฟังก์ชั่นที่ไม่จูงใจ

จุดประสงค์ของงานศิลปะที่ไม่ได้รับแรงบันดาลใจคือสิ่งที่มีความสำคัญต่อการเป็นมนุษย์ก้าวข้ามปัจเจกบุคคลหรือไม่บรรลุจุดประสงค์ภายนอกที่เฉพาะเจาะจง ในแง่นี้ศิลปะในฐานะความคิดสร้างสรรค์เป็นสิ่งที่มนุษย์ต้องทำโดยธรรมชาติของมัน (กล่าวคือไม่มีสิ่งมีชีวิตชนิดอื่นสร้างงานศิลปะ) ดังนั้นจึงอยู่นอกเหนือประโยชน์ใช้สอย ^[67]

1. สัญชาตญาณพื้นฐานของมนุษย์ความสามัคคี, ความสมดุลของจังหวะ ศิลปะในระดับนี้ไม่ใช่การกระทำหรือวัตถุ แต่เป็นการชื่นชมภายในของความสมดุลและความกลมกลืน (ความงาม) ดังนั้นจึงเป็นแง่มุมของความเป็นมนุษย์ที่นอกเหนือจากประโยชน์ใช้สอย

   ดังนั้นการเลียนแบบจึงเป็นสัญชาตญาณอย่างหนึ่งของธรรมชาติของเรา ถัดไปมีสัญชาตญาณสำหรับ 'ความสามัคคี' และจังหวะเมตรเป็นส่วนของจังหวะที่ชัดเจน ดังนั้นผู้คนจึงเริ่มต้นด้วยของขวัญจากธรรมชาติชิ้นนี้ที่พัฒนาขึ้นตามระดับความถนัดพิเศษของพวกเขาจนกระทั่งการแสดงบทกวีที่หยาบคายของพวกเขาให้กำเนิดกวีนิพนธ์ - อริสโตเติล^[68]

2. ประสบการณ์ลึกลับ ศิลปะเป็นวิธีการสัมผัสตัวตนที่สัมพันธ์กับจักรวาล ประสบการณ์นี้มักจะไม่ได้รับการกระตุ้นเนื่องจากคนหนึ่งชื่นชมศิลปะดนตรีหรือบทกวี

   สิ่งที่สวยงามที่สุดที่เราสัมผัสได้คือความลึกลับ เป็นแหล่งกำเนิดของศิลปะและวิทยาศาสตร์ที่แท้จริงทั้งหมด - อัลเบิร์ตไอน์สไตน์^[69]

3. การแสดงออกของจินตนาการ ศิลปะเป็นเครื่องมือในการแสดงจินตนาการในรูปแบบที่ไม่ใช้ไวยากรณ์ซึ่งไม่ได้เชื่อมโยงกับรูปแบบของภาษาพูดหรือภาษาเขียน ซึ่งแตกต่างจากคำที่เรียงตามลำดับและแต่ละคำมีความหมายที่ชัดเจนศิลปะมีรูปแบบสัญลักษณ์และความคิดที่หลากหลายพร้อมความหมายที่ปรับเปลี่ยนได้

   นกอินทรีของดาวพฤหัสบดี [เป็นตัวอย่างของงานศิลปะ] ไม่เหมือนกับคุณลักษณะเชิงตรรกะ (สุนทรียศาสตร์) ของวัตถุแนวคิดเรื่องความระเหิดและความสง่างามของการสร้าง แต่เป็นอย่างอื่น - สิ่งที่ทำให้จินตนาการมีแรงจูงใจในการแพร่กระจายการบินไปทั่ว โฮสต์ทั้งหมดของการเป็นตัวแทนเครือญาติที่กระตุ้นความคิดมากกว่าการยอมรับการแสดงออกในแนวคิดที่กำหนดโดยคำพูด พวกเขาให้แนวคิดเกี่ยวกับสุนทรียศาสตร์ซึ่งทำหน้าที่เป็นแนวคิดที่มีเหตุผลข้างต้นเพื่อใช้แทนการนำเสนอเชิงตรรกะ แต่ด้วยฟังก์ชันที่เหมาะสมในการทำให้จิตใจเคลื่อนไหวโดยการเปิดโอกาสให้มันเข้าสู่เขตของการเป็นตัวแทนของเครือญาติที่ยืดออกไปไกลกว่าเคน - อิมมานูเอลคานท์^[70]

4. ฟังก์ชั่นพิธีกรรมและสัญลักษณ์ ในหลายวัฒนธรรมศิลปะถูกใช้ในพิธีกรรมการแสดงและการเต้นรำเพื่อเป็นเครื่องตกแต่งหรือสัญลักษณ์ ในขณะที่สิ่งเหล่านี้มักไม่มีจุดประสงค์ที่เป็นประโยชน์ (แรงจูงใจ) ที่เฉพาะเจาะจงนักมานุษยวิทยารู้ดีว่าพวกเขามักตอบสนองจุดประสงค์ในระดับความหมายภายในวัฒนธรรมหนึ่ง ๆ ความหมายนี้ไม่ได้ตกแต่งโดยบุคคลใดบุคคลหนึ่ง แต่มักเป็นผลมาจากการเปลี่ยนแปลงหลายชั่วอายุคนและความสัมพันธ์ทางจักรวาลวิทยาภายในวัฒนธรรม

   นักวิชาการส่วนใหญ่ที่เกี่ยวข้องกับภาพวาดหินหรือวัตถุที่กู้คืนจากบริบทก่อนประวัติศาสตร์ที่ไม่สามารถอธิบายในแง่ประโยชน์ได้และถูกจัดประเภทเป็นของตกแต่งพิธีกรรมหรือเชิงสัญลักษณ์ตระหนักถึงกับดักที่เกิดจากคำว่า 'ศิลปะ' - ซิลวาโทมาสโควา^[71]

ฟังก์ชั่นที่มีแรงจูงใจ

จุดประสงค์ของงานศิลปะที่ได้รับแรงบันดาลใจหมายถึงการกระทำโดยเจตนาและมีสติในส่วนของศิลปินหรือผู้สร้างสรรค์ สิ่งเหล่านี้อาจนำมาซึ่งการเปลี่ยนแปลงทางการเมืองการแสดงความคิดเห็นในแง่มุมหนึ่งของสังคมการถ่ายทอดอารมณ์หรืออารมณ์ที่เฉพาะเจาะจงเพื่อกล่าวถึงจิตวิทยาส่วนบุคคลเพื่อแสดงให้เห็นถึงระเบียบวินัยอื่นเพื่อ (ด้วยศิลปะเชิงพาณิชย์) ขายสินค้าหรือเพียงแค่รูปแบบ ของการสื่อสาร ^{[67] [72]}

1. การสื่อสาร. ศิลปะอย่างง่ายที่สุดคือรูปแบบของการสื่อสาร เนื่องจากรูปแบบการสื่อสารส่วนใหญ่มีเจตนาหรือเป้าหมายที่มุ่งไปยังบุคคลอื่นจึงเป็นจุดประสงค์ที่จูงใจ ศิลปะการวาดภาพประกอบเช่นภาพประกอบทางวิทยาศาสตร์เป็นศิลปะรูปแบบหนึ่งในการสื่อสาร แผนที่เป็นอีกตัวอย่างหนึ่ง อย่างไรก็ตามเนื้อหาไม่จำเป็นต้องเป็นวิทยาศาสตร์ อารมณ์ความรู้สึกและความรู้สึกยังถูกสื่อสารผ่านงานศิลปะ

   [ศิลปะคือชุด] สิ่งประดิษฐ์หรือภาพที่มีความหมายเชิงสัญลักษณ์เพื่อใช้ในการสื่อสาร - สตีฟมิเทน^[73]

2. ศิลปะเป็นความบันเทิง ศิลปะอาจพยายามทำให้เกิดความรู้สึกหรืออารมณ์เฉพาะเพื่อจุดประสงค์ในการผ่อนคลายหรือสร้างความบันเทิงให้กับผู้ชม นี่มักเป็นหน้าที่ของอุตสาหกรรมศิลปะของภาพยนตร์และวิดีโอเกม ^[74]
3. เปรี้ยวจี๊ด ศิลปะเพื่อการเปลี่ยนแปลงทางการเมือง. หน้าที่อย่างหนึ่งของศิลปะในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 คือการใช้ภาพเพื่อสร้างการเปลี่ยนแปลงทางการเมือง การเคลื่อนไหวของศิลปะที่มี goal- นี้Dadaism , Surrealism , constructivism รัสเซียและสรุป Expressionismหมู่คนอื่น ๆ จะถูกเรียกว่าเปรี้ยวจี๊ดศิลปะ

   ในทางตรงกันข้ามทัศนคติที่เป็นจริงซึ่งได้รับแรงบันดาลใจจากการมองโลกในแง่ดีตั้งแต่ Saint Thomas Aquinas ถึง Anatole France ดูเหมือนว่าฉันจะเป็นศัตรูกับความก้าวหน้าทางปัญญาหรือศีลธรรมอย่างชัดเจน ฉันเกลียดมันเพราะมันถูกสร้างขึ้นจากความธรรมดาความเกลียดชังและความคิดที่น่าเบื่อ มันเป็นทัศนคติที่ทำให้เกิดหนังสือไร้สาระเหล่านี้บทละครที่ดูหมิ่นเหล่านี้ มันกินอาหารและได้รับความเข้มแข็งจากหนังสือพิมพ์อย่างต่อเนื่องและทำให้เกิดทั้งศาสตร์และศิลป์โดยการประจบประแจงรสนิยมที่ต่ำที่สุด ความชัดเจนที่มีพรมแดนติดกับความโง่เขลาชีวิตของสุนัข - André Breton (สถิตยศาสตร์) ^[75]

4. ศิลปะในฐานะ "เขตปลอดอากร"ถูกลบออกจากการกระทำของการวิพากษ์วิจารณ์ทางสังคม ซึ่งแตกต่างจากการเคลื่อนไหวแบบเปรี้ยวจี๊ดซึ่งต้องการลบความแตกต่างทางวัฒนธรรมเพื่อสร้างคุณค่าสากลใหม่ ๆศิลปะร่วมสมัยได้เพิ่มความอดทนต่อความแตกต่างทางวัฒนธรรมตลอดจนหน้าที่ที่สำคัญและปลดปล่อย (การไต่สวนทางสังคมการเคลื่อนไหวการโค่นล้มการรื้อสร้าง ... ) กลายเป็นสถานที่เปิดกว้างสำหรับการวิจัยและการทดลอง ^[76]
5. ศิลปะสำหรับการสอบถามทางสังคมการโค่นล้มหรืออนาธิปไตย ในขณะที่คล้ายกับศิลปะเพื่อการเปลี่ยนแปลงทางการเมือง แต่ศิลปะที่ถูกโค่นล้มหรือ deconstructivist อาจพยายามตั้งคำถามในแง่มุมของสังคมโดยไม่มีเป้าหมายทางการเมืองที่เฉพาะเจาะจง ในกรณีนี้การทำงานของศิลปะอาจเป็นเพียงการวิพากษ์วิจารณ์บางแง่มุมของสังคม
   

   พ่นสี กราฟฟิตีบนกำแพงในกรุงโรม
   ศิลปะกราฟฟิตีและสตรีทอาร์ตประเภทอื่น ๆคือภาพกราฟิกและภาพที่พ่นสีหรือฉลุบนผนังอาคารรถประจำทางรถไฟและสะพานที่เปิดเผยต่อสาธารณะโดยไม่ได้รับอนุญาต รูปแบบงานศิลปะบางอย่างเช่นกราฟฟิตีอาจผิดกฎหมายเมื่อทำผิดกฎหมาย (ในกรณีนี้คือการป่าเถื่อน)
6. ศิลปะเพื่อสังคม ศิลปะสามารถใช้เพื่อสร้างความตระหนักในหลายสาเหตุ จำนวนของกิจกรรมศิลปะที่ถูกมุ่งเป้าไปที่การสร้างความตระหนักของออทิสติก , ^{[77] [78] [79]}โรคมะเร็ง^{[80] [81] [82]} การค้ามนุษย์ , ^{[83] [84]}และความหลากหลายของหัวข้ออื่น ๆ เช่น ในฐานะการอนุรักษ์มหาสมุทร, ^[85]สิทธิมนุษยชนในดาร์ฟูร์ , ^[86]ฆาตกรรมและการหายตัวไปของสตรีชาวอะบอริจิน, ^[87]การล่วงละเมิดผู้สูงอายุ, ^[88]และมลภาวะ ^[89] Trashionโดยใช้ถังขยะที่จะทำให้แฟชั่นได้รับการฝึกฝนจากศิลปินดังเช่นMarina เศษเป็นตัวอย่างหนึ่งของการใช้ศิลปะเพื่อสร้างความตระหนักเกี่ยวกับมลพิษ
7. ศิลปะเพื่อจุดประสงค์ทางจิตใจและการบำบัด ศิลปะยังถูกใช้โดยนักบำบัดศิลปะ psychotherapists และนักจิตวิทยาคลินิกเป็นศิลปะบำบัด วินิจฉัยซีรี่ส์ถอนเงินตัวอย่างเช่นจะใช้ในการตรวจสอบบุคคลที่มีบุคลิกและการทำงานทางอารมณ์ของผู้ป่วย ผลิตภัณฑ์สุดท้ายไม่ใช่เป้าหมายหลักในกรณีนี้ แต่เป็นการแสวงหากระบวนการบำบัดโดยการกระทำที่สร้างสรรค์ ผลงานศิลปะที่เป็นผลลัพธ์อาจให้ข้อมูลเชิงลึกเกี่ยวกับปัญหาที่เกิดขึ้นจากผู้ทดลองและอาจแนะนำแนวทางที่เหมาะสมเพื่อใช้ในการบำบัดทางจิตเวชในรูปแบบเดิม ๆ ^[90]
8. ศิลปะเพื่อการโฆษณาชวนเชื่อหรือการค้า ศิลปะมักถูกใช้เป็นรูปแบบหนึ่งของการโฆษณาชวนเชื่อดังนั้นจึงสามารถใช้เพื่อส่งอิทธิพลต่อแนวคิดหรืออารมณ์ที่เป็นที่นิยมได้อย่างละเอียด ในทำนองเดียวกันศิลปะที่พยายามขายสินค้าก็มีผลต่ออารมณ์และความรู้สึกเช่นกัน ในทั้งสองกรณีจุดประสงค์ของศิลปะในที่นี้คือการปรับเปลี่ยนผู้ชมให้ตอบสนองทางอารมณ์หรือจิตใจที่เฉพาะเจาะจงต่อความคิดหรือวัตถุที่เฉพาะเจาะจง ^[91]
9. ศิลปะเป็นตัวบ่งชี้การออกกำลังกาย เป็นที่ถกเถียงกันอยู่ว่าความสามารถของสมองมนุษย์นั้นเกินกว่าที่จำเป็นสำหรับการอยู่รอดในสภาพแวดล้อมของบรรพบุรุษ คำอธิบายทางจิตวิทยาเชิงวิวัฒนาการอย่างหนึ่งสำหรับเรื่องนี้คือสมองของมนุษย์และลักษณะที่เกี่ยวข้อง (เช่นความสามารถทางศิลปะและความคิดสร้างสรรค์) นั้นเทียบเท่ากับหางของนกยูง จุดประสงค์ของหางที่ฟุ่มเฟือยของนกยูงตัวผู้นั้นเป็นที่ถกเถียงกันอยู่ว่าเพื่อดึงดูดตัวเมีย (ดูหลักการหลบหนีของชาวประมงและคนพิการด้วย ) ตามทฤษฎีนี้การดำเนินงานศิลปะที่เหนือกว่ามีความสำคัญเชิงวิวัฒนาการเนื่องจากดึงดูดเพื่อนร่วมงาน ^[92]

ฟังก์ชั่นของงานศิลปะที่อธิบายไว้ข้างต้นไม่สามารถใช้ร่วมกันได้เนื่องจากหลายอย่างอาจทับซ้อนกัน ตัวอย่างเช่นศิลปะเพื่อความบันเทิงอาจต้องการขายผลิตภัณฑ์เช่นภาพยนตร์หรือวิดีโอเกม

พิพิธภัณฑ์ศิลปะ Metropolitanใน แมนฮัตตัน พิพิธภัณฑ์ฟอรั่มที่สำคัญสำหรับการแสดงผลของ ภาพศิลปะ

ตั้งแต่สมัยโบราณงานศิลปะที่ดีที่สุดส่วนใหญ่แสดงถึงการแสดงความมั่งคั่งหรืออำนาจโดยเจตนาซึ่งมักทำได้โดยใช้วัสดุขนาดใหญ่และราคาแพง ศิลปะจำนวนมากได้รับมอบหมายจากผู้ปกครองทางการเมืองหรือสถานประกอบการทางศาสนาโดยมีเวอร์ชันที่เรียบง่ายกว่าสำหรับคนที่ร่ำรวยที่สุดในสังคมเท่านั้น ^[93]

อย่างไรก็ตามมีหลายช่วงเวลาที่มีงานศิลปะที่มีคุณภาพสูงมากในแง่ของความเป็นเจ้าของในส่วนใหญ่ ๆ ของสังคมเหนือสิ่งอื่นใดในสื่อราคาถูกเช่นเครื่องปั้นดินเผาซึ่งคงอยู่ในพื้นดินและสื่อที่เน่าเสียง่ายเช่นสิ่งทอและไม้ . ในวัฒนธรรมที่แตกต่างกันหลายเซรามิกของชนพื้นเมืองของอเมริกามีการค้นพบดังกล่าวในช่วงกว้างของหลุมฝังศพว่าพวกเขาได้อย่างชัดเจนไม่ จำกัด ให้ชนชั้นทางสังคม , ^[94]แม้ว่ารูปแบบอื่น ๆ ของศิลปะอาจได้รับ วิธีการสืบพันธุ์เช่นแม่พิมพ์ทำให้การผลิตจำนวนมากง่ายขึ้นและถูกนำมาใช้เพื่อนำเครื่องปั้นดินเผาโรมันโบราณคุณภาพสูงและตุ๊กตาทานากราของกรีกไปสู่ตลาดที่กว้างมาก ซีลกระบอกมีทั้งศิลปะและในทางปฏิบัติและใช้กันอย่างแพร่หลายมากโดยสิ่งที่สามารถเรียกได้อย่างอิสระชั้นกลางในตะวันออกใกล้โบราณ ^[95]เมื่อมีการใช้เหรียญกันอย่างแพร่หลายสิ่งเหล่านี้ก็กลายเป็นรูปแบบศิลปะที่เข้าถึงวงกว้างที่สุดในสังคม ^[96]

นวัตกรรมที่สำคัญอีกอย่างหนึ่งเกิดขึ้นในศตวรรษที่ 15 ในยุโรปเมื่องานภาพพิมพ์เริ่มต้นด้วยภาพแกะสลักขนาดเล็กซึ่งส่วนใหญ่เป็นศาสนาซึ่งมักมีขนาดเล็กมากและมีสีด้วยมือและราคาไม่แพงแม้แต่ชาวนาที่ติดผนังบ้านของพวกเขา หนังสือที่ตีพิมพ์ในตอนแรกมีราคาแพงมาก แต่ราคาก็ลดลงเรื่อย ๆ จนกระทั่งในศตวรรษที่ 19 แม้แต่คนที่ยากจนที่สุดก็สามารถซื้อภาพประกอบที่พิมพ์ออกมาได้ ^[97] ภาพพิมพ์ยอดนิยมประเภทต่าง ๆ ได้ประดับบ้านและสถานที่อื่น ๆ มานานหลายศตวรรษ ^[98]

พิพิธภัณฑ์ศิลปะใน บาเซิล ( สวิตเซอร์แลนด์ ) เป็นพิพิธภัณฑ์ศิลปะสาธารณะที่เก่าแก่ที่สุดในโลก

ใน 1661 เมืองของบาเซิลในสวิตเซอร์เปิดพิพิธภัณฑ์สาธารณะเป็นครั้งแรกของศิลปะในโลก, Kunstmuseum บาเซิล ปัจจุบันคอลเลกชันของมันมีความโดดเด่นด้วยช่วงประวัติศาสตร์ที่กว้างไกลอย่างน่าประทับใจตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 15 จนถึงปัจจุบันในทันที ความสำคัญในด้านต่างๆทำให้สถานที่ในระดับนานาชาติเป็นหนึ่งในพิพิธภัณฑ์ที่สำคัญที่สุดในประเภทนี้ สิ่งเหล่านี้ครอบคลุม: ภาพวาดและภาพวาดของศิลปินที่ทำงานอยู่ในภูมิภาค Upper Rhine ระหว่างปี 1400 ถึง 1600 และศิลปะในศตวรรษที่ 19 ถึง 21 ^[99]

อาคารสาธารณะและอนุสาวรีย์ทางโลกและทางศาสนาโดยธรรมชาติแล้วโดยปกติแล้วผู้มาเยือนในฐานะผู้ชมและการจัดแสดงต่อสาธารณชนเป็นปัจจัยสำคัญในการออกแบบมานานแล้ว วัดในอียิปต์เป็นเรื่องปกติที่การตกแต่งที่ใหญ่ที่สุดและฟุ่มเฟือยที่สุดถูกวางไว้บนส่วนที่คนทั่วไปสามารถมองเห็นได้แทนที่จะเป็นพื้นที่ที่นักบวชมองเห็นเท่านั้น ^[100]หลายพื้นที่ของพระราชวังปราสาทและบ้านของชนชั้นสูงในสังคมมักจะสามารถเข้าถึงได้โดยทั่วไปและส่วนใหญ่ของคอลเลกชันงานศิลปะของคนเหล่านี้มักจะมองเห็นได้ไม่ว่าจะโดยใครหรือโดยผู้ที่สามารถจ่ายในราคาเล็กน้อย หรือผู้ที่สวมเสื้อผ้าที่ถูกต้องไม่ว่าพวกเขาจะเป็นใครเช่นเดียวกับที่พระราชวังแวร์ซายส์ซึ่งสามารถจ้างอุปกรณ์เสริมที่เหมาะสม (หัวเข็มขัดสีเงินและดาบ) ได้จากร้านค้าภายนอก ^[101]

มีการจัดเตรียมพิเศษเพื่อให้ประชาชนได้ชมคอลเลคชันของราชวงศ์หรือส่วนตัวจำนวนมากที่วางอยู่ในแกลเลอรีเช่นเดียวกับคอลเลกชัน Orleans ที่ส่วนใหญ่ตั้งอยู่ในปีกของPalais Royalในปารีสซึ่งสามารถเยี่ยมชมได้เกือบตลอดศตวรรษที่ 18 ^[102]ในอิตาลีการท่องเที่ยวเชิงศิลปะของแกรนด์ทัวร์กลายเป็นอุตสาหกรรมหลักตั้งแต่ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเป็นต้นมาและรัฐบาลและเมืองต่างๆก็พยายามทำให้งานสำคัญของพวกเขาสามารถเข้าถึงได้ คอลเลคชันราชวงศ์อังกฤษยังคงแตกต่างกันไป แต่การบริจาคจำนวนมากเช่นOld Royal Libraryถูกสร้างขึ้นจากห้องสมุดนี้ให้กับBritish Museumซึ่งก่อตั้งขึ้นในปี 1753 Uffiziในฟลอเรนซ์เปิดเป็นแกลเลอรีทั้งหมดในปี 1765 แม้ว่าฟังก์ชันนี้จะค่อยๆเข้ามาในอาคารก็ตาม จากสำนักงานข้าราชการเดิมมานานแล้ว. ^[103]อาคารที่ปัจจุบันครอบครองโดยปราโดในมาดริดถูกสร้างขึ้นก่อนการปฏิวัติฝรั่งเศสเพื่อจัดแสดงชิ้นส่วนของงานศิลปะของราชวงศ์ในที่สาธารณะและหอศิลป์ที่คล้ายคลึงกันซึ่งเปิดให้ประชาชนเข้าชมมีอยู่ในเวียนนามิวนิกและเมืองหลวงอื่น ๆ การเปิดMusée du Louvreในช่วงการปฏิวัติฝรั่งเศส (ในปี 1793) ในฐานะพิพิธภัณฑ์สาธารณะสำหรับคอลเลกชันของราชวงศ์ฝรั่งเศสในอดีตถือเป็นเวทีสำคัญในการพัฒนาการเข้าถึงงานศิลปะของสาธารณชนโดยโอนความเป็นเจ้าของไปยังรัฐสาธารณรัฐ แต่เป็น ความต่อเนื่องของแนวโน้มที่ได้รับการยอมรับอย่างดี ^[104]

พิพิธภัณฑ์สาธารณะที่ทันสมัยส่วนใหญ่และโครงการให้ความรู้ด้านศิลปะสำหรับเด็กในโรงเรียนสามารถย้อนกลับไปได้ถึงแรงกระตุ้นนี้เพื่อให้ทุกคนมีงานศิลปะ พิพิธภัณฑ์ในสหรัฐอเมริกามักจะเป็นของขวัญจากคนรวยให้กับคนทั่วไป ( ตัวอย่างเช่นพิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทนในนิวยอร์กซิตี้สร้างขึ้นโดยจอห์นเทย์เลอร์จอห์นสตันผู้บริหารการรถไฟที่มีคอลเลกชันงานศิลปะส่วนบุคคลวางจำหน่ายในพิพิธภัณฑ์) แต่ถึงอย่างนั้นอย่างน้อยก็มีหน้าที่สำคัญอย่างหนึ่งของศิลปะในวันที่ 21 ศตวรรษยังคงเป็นเครื่องหมายของความมั่งคั่งและสถานะทางสังคม ^[105]

มีความพยายามของศิลปินในการสร้างงานศิลปะที่ไม่สามารถซื้อได้โดยคนร่ำรวยในฐานะวัตถุสถานะ หนึ่งในแรงจูงใจดั้งเดิมที่สำคัญของงานศิลปะส่วนใหญ่ในช่วงปลายทศวรรษ 1960 และ 1970 คือการสร้างงานศิลปะที่ไม่สามารถซื้อและขายได้ "จำเป็นที่จะต้องนำเสนอบางสิ่งที่มากกว่าเพียงวัตถุ" ^[106]โจเซฟบอยส์ศิลปินชาวเยอรมันหลังสงครามครั้งสำคัญกล่าว ช่วงเวลานี้เห็นการเพิ่มขึ้นของสิ่งต่างๆเช่นผลงานศิลปะที่วิดีโออาร์ตและนามธรรมศิลปะ แนวคิดก็คือถ้างานศิลปะเป็นผลงานที่ไม่ทิ้งอะไรไว้ข้างหลังหรือเป็นเพียงแค่ความคิดก็ไม่สามารถซื้อและขายได้ "ศีลในระบอบประชาธิปไตยวนเวียนอยู่กับความคิดที่ว่างานศิลปะเป็นสินค้าที่กระตุ้นให้เกิดนวัตกรรมทางความงามซึ่งเกิดขึ้นในช่วงกลางทศวรรษที่ 1960 และได้รับการเก็บเกี่ยวตลอดช่วงทศวรรษ 1970 ศิลปินได้รับการระบุอย่างกว้างขวางภายใต้หัวข้อศิลปะแนวความคิด ... ทดแทนการแสดงและการเผยแพร่กิจกรรม สำหรับการมีส่วนร่วมกับทั้งด้านวัตถุและข้อกังวลด้านวัตถุของรูปแบบที่ทาสีหรือประติมากรรม ... [ได้] พยายามที่จะบ่อนทำลายวัตถุควาทางศิลปะ " ^[107]

แวร์ซาย: หลุยส์เลอโวเปิดขึ้นศาลภายในเพื่อสร้างทางเข้าที่ขยายตัว ศาลสูง honneur ศิลปวัตถุในภายหลังคัดลอกไปทั่วยุโรป

ในช่วงหลายทศวรรษที่ผ่านมาความคิดเหล่านี้ได้สูญหายไปพอสมควรเนื่องจากตลาดงานศิลปะได้เรียนรู้ที่จะขายดีวีดีวิดีโอจำนวน จำกัด^[108]คำเชิญไปงานศิลปะการแสดงสุดพิเศษและสิ่งของที่หลงเหลือจากชิ้นงานแนวความคิด การแสดงจำนวนมากเหล่านี้สร้างผลงานที่มี แต่คนหัวกะทิที่ได้รับการศึกษาเข้าใจว่าเหตุใดความคิดหรือวิดีโอหรือชิ้นส่วนของขยะที่เห็นได้ชัดจึงถือเป็นงานศิลปะ เครื่องหมายแสดงสถานะกลายเป็นความเข้าใจในงานแทนที่จะต้องเป็นเจ้าของงานและงานศิลปะยังคงเป็นกิจกรรมระดับสูง "ด้วยการใช้เทคโนโลยีบันทึกดีวีดีอย่างแพร่หลายในช่วงต้นทศวรรษ 2000 ศิลปินและระบบแกลเลอรีที่ได้รับผลกำไรจากการขายงานศิลปะได้รับวิธีการสำคัญในการควบคุมการขายงานศิลปะวิดีโอและคอมพิวเตอร์ในจำนวน จำกัด ให้กับนักสะสม" ^[109]

ThéodoreGéricault 's แพเมดูซา , ประมาณ 1820

ศิลปะเป็นที่ถกเถียงกันมานานกล่าวคือผู้ชมบางคนไม่ชอบด้วยเหตุผลหลายประการแม้ว่าการโต้เถียงก่อนสมัยใหม่ส่วนใหญ่จะถูกบันทึกไว้เพียงเล็กน้อยหรือสูญหายไปอย่างสิ้นเชิงกับมุมมองสมัยใหม่ Iconoclasmคือการทำลายศิลปะที่ไม่ชอบด้วยเหตุผลหลายประการรวมถึงศาสนาด้วย Aniconismเป็นความไม่ชอบโดยทั่วไปของภาพที่เป็นรูปเป็นร่างทั้งหมดหรือมักเป็นเพียงภาพทางศาสนาและเป็นหัวข้อในหลายศาสนาที่สำคัญ มันเป็นปัจจัยสำคัญในประวัติศาสตร์ศิลปะอิสลามซึ่งภาพของมูฮัมหมัดยังคงเป็นที่ถกเถียงกันโดยเฉพาะ ศิลปะส่วนใหญ่ถูกไม่ชอบอย่างหมดจดเพราะมีการแสดงภาพหรือแสดงถึงผู้ปกครองพรรคหรือกลุ่มอื่น ๆ ที่ไม่เป็นที่นิยม การประชุมทางศิลปะมักเป็นแบบอนุรักษ์นิยมและได้รับการพิจารณาอย่างจริงจังจากนักวิจารณ์ศิลปะแม้ว่าคนส่วนใหญ่มักจะน้อยกว่ามากก็ตาม เข้มข้นเนื้อหาของศิลปะอาจก่อให้เกิดความขัดแย้งเช่นเดียวกับช่วงปลายปีที่เด่นชัดในยุคกลางของบรรทัดฐานใหม่ของลมของพระแม่มารีในฉากของการตรึงกางเขนของพระเยซู การตัดสินครั้งสุดท้ายโดยMichelangeloเป็นที่ถกเถียงกันด้วยเหตุผลหลายประการรวมถึงการละเมิดการตกแต่งผ่านภาพเปลือยและท่าทางที่เหมือนอพอลโลของพระคริสต์ ^{[110] [111]}

เนื้อหาของงานศิลปะที่เป็นทางการผ่านประวัติศาสตร์ถูกกำหนดโดยผู้อุปถัมภ์หรือผู้รับหน้าที่แทนที่จะเป็นเพียงศิลปิน แต่ด้วยการถือกำเนิดของจินตนิยมและการเปลี่ยนแปลงทางเศรษฐกิจในการผลิตงานศิลปะวิสัยทัศน์ของศิลปินกลายเป็นตัวกำหนดเนื้อหาของเขาตามปกติ ศิลปะเพิ่มอุบัติการณ์ของการโต้เถียงแม้ว่ามักจะลดความสำคัญลง แรงจูงใจที่ชัดเจนสำหรับการรับรู้ความคิดริเริ่มและการประชาสัมพันธ์ยังสนับสนุนให้ศิลปินโต้แย้งในศาล ThéodoreGéricault 's แพเมดูซา (ค. 1820) เป็นส่วนหนึ่งในความเห็นทางการเมืองในเหตุการณ์ล่าสุด Édouard Manet 's Le Dejeuner sur l'Herbe (1863) ได้รับการพิจารณาอื้อฉาวไม่ได้เพราะของหญิงเปลือย แต่เพราะเธอจะนั่งติดกับคนที่แต่งตัวได้อย่างเต็มที่ในเสื้อผ้าของเวลามากกว่าในเสื้อคลุมของโลกโบราณ ^{[112] [113]} จอห์นซิซาร์เจนท์ 's มาดามปิแอร์ Gautreau (Madam X) (1884) ก่อให้เกิดการโต้เถียงแดงใช้ในการสีติ่งหูของผู้หญิงสีชมพูถือว่าไกลชี้นำเกินไปและคาดคะเนการทำลายชื่อเสียงของรุ่นสูงของสังคม . ^{[114] [115]}การละทิ้งลัทธินิยมธรรมชาติทีละน้อยและการพรรณนาถึงการแสดงภาพเหมือนจริงของตัวแบบในศตวรรษที่ 19 และ 20 นำไปสู่การโต้เถียงกันอย่างต่อเนื่องยาวนานกว่าหนึ่งศตวรรษ

ประสิทธิภาพการทำงานโดย โจเซฟ Beuys 1978: ทุกคนเป็นศิลปิน - เกี่ยวกับวิธีการรูปแบบเสรีนิยมของสิ่งมีชีวิตทางสังคม

ในศตวรรษที่ 20, ปาโบลปิกัสโซ 's แกร์ (1937) ที่ใช้ในการจับกุมCubistเทคนิคและสิ้นเชิงน้ำมันสีเดียวเพื่อแสดงให้เห็นถึงผลกระทบที่บาดใจระเบิดร่วมสมัยของเมืองเล็ก ๆ ใน Basque โบราณ การสอบสวนของLeon Golub III (1981) แสดงให้เห็นภาพเปลือยของหญิงที่ถูกคุมขังที่มีฮู้ดมัดติดกับเก้าอี้ขาของเธอเปิดเผยให้เห็นอวัยวะเพศของเธอล้อมรอบด้วยผู้ทรมานสองคนที่สวมเสื้อผ้าประจำวัน Andres Serrano 's ปัสสาวะคริสต์ (1989) เป็นภาพของไม้กางเขนศักดิ์สิทธิ์เพื่อศาสนาคริสต์และเป็นตัวแทนพระเยซูคริสต์ ' s เสียสละและความทุกข์ทรมานสุดท้ายจมอยู่ใต้น้ำในแก้วของปัสสาวะของตัวเองของศิลปิน ความโกลาหลที่เกิดขึ้นนำไปสู่ความคิดเห็นในวุฒิสภาสหรัฐอเมริกาเกี่ยวกับการระดมทุนของศิลปะสาธารณะ ^{[116] [117]}

ก่อนสมัยความงามในศิลปะตะวันตกเป็นกังวลอย่างมากกับการบรรลุความสมดุลระหว่างด้านที่แตกต่างกันของความสมจริงหรือความจริงกับธรรมชาติและเหมาะ ; ความคิดเกี่ยวกับความสมดุลที่เหมาะสมได้เปลี่ยนไปเรื่อย ๆ ในช่วงหลายศตวรรษที่ผ่านมา ความกังวลนี้ส่วนใหญ่ขาดหายไปในประเพณีศิลปะอื่น ๆ นักทฤษฎีสุนทรียศาสตร์จอห์นรัสกินผู้ปกป้องสิ่งที่เขาเห็นว่าเป็นธรรมชาตินิยมของเจ. เอ็ม. ดับเบิลยู. เทอร์เนอร์มองว่าบทบาทของศิลปะเป็นการสื่อสารโดยสิ่งประดิษฐ์ของความจริงที่สำคัญซึ่งพบได้ในธรรมชาติเท่านั้น ^[118]

ความหมายและการประเมินผลงานศิลปะกลายเป็นปัญหาอย่างยิ่งตั้งแต่ศตวรรษที่ 20 Richard Wollheim ให้ความแตกต่างสามแนวทางในการประเมินคุณค่าทางสุนทรียศาสตร์ของศิลปะ: สัจนิยมโดยคุณภาพทางสุนทรียศาสตร์เป็นค่าสัมบูรณ์โดยไม่ขึ้นอยู่กับมุมมองของมนุษย์ Objectivistโดยก็ยังเป็นค่าแน่นอน แต่จะขึ้นอยู่กับประสบการณ์ของมนุษย์ทั่วไป และตำแหน่งRelativist โดยที่มันไม่ใช่ค่าสัมบูรณ์ แต่ขึ้นอยู่กับและแตกต่างกันไปตามประสบการณ์ของมนุษย์ของมนุษย์ที่แตกต่างกัน ^[119]

การมาถึงของสมัยใหม่

องค์ประกอบด้วยสีแดงสีน้ำเงินและสีเหลือง (พ.ศ. 2473) โดย Piet Mondrian (ดัตช์ พ.ศ. 2415-2487)

การมาถึงของสมัยในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 นำไปสู่การแบ่งรุนแรงในความคิดของฟังก์ชั่นของศิลปะ, ^[120]และจากนั้นอีกครั้งในช่วงปลายศตวรรษที่ 20 ที่มีการถือกำเนิดของลัทธิหลังสมัยใหม่ บทความในปี 1960 ของClement Greenberg "Modernist Painting" ให้คำจำกัดความของศิลปะสมัยใหม่ว่า ^[121]เดิมทีกรีนเบิร์กนำแนวคิดนี้ไปใช้กับการเคลื่อนไหวแบบ Abstract Expressionist และใช้เป็นวิธีการทำความเข้าใจและปรับแก้ภาพวาดนามธรรมแบบแบน (ไม่ใช่ภาพลวงตา):

ศิลปะที่เหมือนจริงและเป็นธรรมชาติได้ทำลายสื่อโดยใช้ศิลปะเพื่อปกปิดงานศิลปะ สมัยนิยมใช้ศิลปะเพื่อเรียกร้องความสนใจให้กับศิลปะ ข้อ จำกัด ที่เป็นสื่อกลางในการวาดภาพ ได้แก่ พื้นผิวเรียบรูปทรงของส่วนรองรับคุณสมบัติของเม็ดสี - ได้รับการปฏิบัติโดย Old Masters ในฐานะปัจจัยลบที่สามารถรับทราบได้โดยปริยายหรือโดยอ้อมเท่านั้น ภายใต้ Modernism ข้อ จำกัด เดียวกันเหล่านี้ถูกมองว่าเป็นปัจจัยบวกและได้รับการยอมรับอย่างเปิดเผย ^[121]

หลังจากกรีนเบิร์กนักทฤษฎีศิลปะที่สำคัญหลายคนได้ถือกำเนิดขึ้นเช่นMichael Fried , T. J. Clark , Rosalind Krauss , Linda NochlinและGriselda Pollockเป็นต้น แม้ว่าเดิมทีมีจุดมุ่งหมายเพื่อทำความเข้าใจกลุ่มศิลปินที่เฉพาะเจาะจง แต่คำจำกัดความของศิลปะสมัยใหม่ของกรีนเบิร์กมีความสำคัญต่อความคิดของศิลปะหลายอย่างในขบวนการทางศิลปะต่างๆในศตวรรษที่ 20 และต้นศตวรรษที่ 21 ^{[122] [123]}

ศิลปินป๊อปเหมือนแอนดี้วอร์ฮอทั้งสองกลายเป็นที่น่าสังเกตและมีอิทธิพลรวมทั้งผ่านการทำงานและอาจcritiquing นิยมวัฒนธรรม , เช่นเดียวกับโลกศิลปะ ศิลปินในช่วงทศวรรษที่ 1980, 1990 และ 2000 ได้ขยายเทคนิคการวิจารณ์ตนเองนอกเหนือจากงานศิลปะชั้นสูงไปสู่การสร้างภาพทางวัฒนธรรมทั้งหมดรวมถึงภาพแฟชั่นการ์ตูนป้ายโฆษณาและภาพอนาจาร ^{[124] [125]}

Duchamp เคยเสนอว่าศิลปะเป็นกิจกรรมทุกอย่าง อย่างไรก็ตามวิธีการที่มีเพียงกิจกรรมบางอย่างเท่านั้นที่จัดเป็นศิลปะในปัจจุบันเป็นการสร้างสังคม ^[126]มีหลักฐานว่าอาจมีองค์ประกอบของความจริงสำหรับสิ่งนี้ ในการประดิษฐ์ศิลปะ: ประวัติศาสตร์วัฒนธรรม Larry Shiner ได้ตรวจสอบการสร้างระบบศิลปะสมัยใหม่นั่นคืองานวิจิตรศิลป์ เขาพบหลักฐานว่าระบบศิลปะที่เก่าแก่ก่อนระบบสมัยใหม่ของเรา (วิจิตรศิลป์) จัดให้ศิลปะเป็นกิจกรรมของมนุษย์ที่มีทักษะ ตัวอย่างเช่นสังคมกรีกโบราณไม่ได้มีศิลปะระยะ แต่Techne Techne ไม่สามารถเข้าใจได้ว่าเป็นงานศิลปะหรืองานฝีมือเหตุผลก็คือความแตกต่างของงานศิลปะและงานฝีมือเป็นผลิตภัณฑ์ทางประวัติศาสตร์ที่เกิดขึ้นในภายหลังในประวัติศาสตร์ของมนุษย์ Techne รวมภาพวาดแกะสลักและเพลง แต่ยังทำอาหาร, ยา, ขี่ม้า , เรขาคณิต , ช่างไม้, คำทำนายและการทำฟาร์ม ฯลฯ^[127]

คำวิจารณ์ใหม่และ "การเข้าใจผิดโดยเจตนา"

หลังจาก Duchamp ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20 การเปลี่ยนแปลงครั้งสำคัญไปสู่ทฤษฎีสุนทรียศาสตร์ทั่วไปเกิดขึ้นซึ่งพยายามที่จะใช้ทฤษฎีสุนทรียศาสตร์ระหว่างรูปแบบต่างๆของศิลปะรวมถึงศิลปะวรรณกรรมและทัศนศิลป์ซึ่งกันและกัน นี้ส่งผลในการเพิ่มขึ้นของใหม่ติชมโรงเรียนและการอภิปรายเกี่ยวกับการเข้าใจผิดโดยเจตนา ประเด็นคือคำถามว่าความตั้งใจด้านสุนทรียศาสตร์ของศิลปินในการสร้างสรรค์งานศิลปะไม่ว่าจะเป็นรูปแบบเฉพาะใดควรเกี่ยวข้องกับการวิจารณ์และการประเมินผลงานขั้นสุดท้ายของงานศิลปะหรือไม่หรือหากเป็นผลงานศิลปะ ควรได้รับการประเมินจากความดีความชอบของตัวเองโดยไม่ขึ้นกับความตั้งใจของศิลปิน ^{[128] [129]}

ในปีพ. ศ. 2489 William K. WimsattและMonroe Beardsley ได้ตีพิมพ์บทความ New Critical ที่เป็นที่ถกเถียงกันอยู่ชื่อ " The Intentional Fallacy " ซึ่งพวกเขาโต้แย้งอย่างรุนแรงถึงความเกี่ยวข้องของเจตนาของผู้เขียนหรือ "ความหมายที่ตั้งใจไว้" ในการวิเคราะห์งานวรรณกรรม . สำหรับวิมแซตต์และแบร์ดสลีย์คำพูดบนหน้านั้นมีความสำคัญ การนำเข้าความหมายจากภายนอกข้อความถือว่าไม่เกี่ยวข้องและอาจทำให้เสียสมาธิ ^{[130] [131]}

ในบทความอื่น " ความเข้าใจผิดทางอารมณ์ " ซึ่งทำหน้าที่เป็นบทความประเภทน้องสาวของ "The Intentional Fallacy" Wimsatt และ Beardsley ยังลดปฏิกิริยาส่วนตัว / อารมณ์ของผู้อ่านที่มีต่องานวรรณกรรมเป็นวิธีที่ถูกต้องในการวิเคราะห์ข้อความ ความเข้าใจผิดนี้จะถูกปฏิเสธโดยนักทฤษฎีจากโรงเรียนทฤษฎีวรรณกรรมที่ตอบสนองต่อผู้อ่านในภายหลัง แดกดันหนึ่งในนักทฤษฎีชั้นนำจากโรงเรียนนี้Stanley Fishได้รับการฝึกฝนจาก New Critics ฟิชวิจารณ์ Wimsatt และ Beardsley ในบทความเรียงความเรื่อง "Literature in the Reader" ในปี 1970 ^{[132] [133]}

ดังที่สรุปโดย Gaut และ Livingston ในเรียงความ "The Creation of Art": "นักทฤษฎีและนักวิจารณ์โครงสร้างและนักโครงสร้างหลังโครงสร้างต่างวิพากษ์วิจารณ์อย่างมากในหลายแง่มุมของ New Criticism โดยเริ่มจากการเน้นที่การชื่นชมในสุนทรียศาสตร์และความเป็นอิสระของศิลปะที่เรียกว่า แต่พวกเขาย้ำถึงการโจมตีข้อสันนิษฐานของชีวประวัติที่ว่ากิจกรรมและประสบการณ์ของศิลปินเป็นหัวข้อสำคัญที่ได้รับการยกเว้น " ^[134]ผู้เขียนเหล่านี้ยืนยันว่า: "ผู้ต่อต้านเจตนารมย์เช่นนักพิธีการถือว่าเจตนาที่เกี่ยวข้องกับการสร้างงานศิลปะนั้นไม่เกี่ยวข้องหรือเป็นอุปกรณ์ต่อพ่วงในการตีความงานศิลปะอย่างถูกต้องดังนั้นรายละเอียดของการสร้างงานแม้ว่าอาจจะเป็นที่สนใจก็ตาม ในตัวเองไม่มีผลต่อการตีความงานที่ถูกต้อง " ^[135]

กัวท์และลิฟวิงสตันให้คำจำกัดความของผู้แสดงเจตนาให้แตกต่างจากนักแสดงที่เป็นทางการโดยระบุว่า: "ผู้แสดงเจตนาซึ่งแตกต่างจากนักพิธีการถือว่าการอ้างอิงถึงความตั้งใจเป็นสิ่งสำคัญในการแก้ไขการตีความที่ถูกต้องของผลงาน" พวกเขาอ้างว่าRichard Wollheimระบุว่า "งานของการวิจารณ์คือการสร้างกระบวนการสร้างสรรค์ขึ้นใหม่ซึ่งกระบวนการสร้างสรรค์จะต้องถูกคิดว่าเป็นสิ่งที่ไม่หยุดยั้ง แต่เป็นการยุติการทำงานศิลปะด้วยตัวมันเอง" ^[135]

"การพลิกผันทางภาษา" และการถกเถียงกัน

ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 20 ทำให้เกิดการถกเถียงกันอย่างกว้างขวางที่เรียกว่าการโต้เถียงทางภาษาหรือ "การอภิปรายด้วยตาที่ไร้เดียงสา" ในปรัชญาศิลปะ การอภิปรายนี้กล่าวถึงการเผชิญหน้าของงานศิลปะว่าถูกกำหนดโดยขอบเขตสัมพัทธ์ที่การเผชิญหน้ากับงานศิลปะในแนวความคิดมีอิทธิพลเหนือการสัมผัสกับงานศิลปะโดยการรับรู้ ^[136]

แตกหักสำหรับการอภิปรายเปิดทางภาษาในประวัติศาสตร์ศิลปะและมนุษยศาสตร์เป็นผลงานของยังประเพณีอื่นคือที่โครงสร้างของเฟอร์ดินานด์เดอซ็อสและการเคลื่อนไหวที่ตามมาของกซิสม์ ในปีพ. ศ. 2524 ศิลปินMark Tansey ได้สร้างผลงานศิลปะชื่อ "The Innocent Eye" เพื่อเป็นการวิพากษ์วิจารณ์ถึงบรรยากาศที่ไม่เห็นด้วยในปรัชญาศิลปะในช่วงทศวรรษปิดของศตวรรษที่ 20 ทฤษฎีที่มีอิทธิพลรวมถึงจูดิ ธ บัตเลอร์ , ลูซอิริ , จูเลีย Kristeva , มิเชล FoucaultและJacques Derrida พลังของภาษามากขึ้นโดยเฉพาะของ tropes วาทศิลป์บางอย่างในประวัติศาสตร์ศิลปะและวาทกรรมในอดีตได้รับการสำรวจโดยเฮย์เดนสีขาว ความจริงที่ว่าภาษาที่ไม่เป็นสื่อโปร่งใสของความคิดที่ได้รับโดยเน้นรูปแบบที่แตกต่างกันมากของปรัชญาภาษาที่เกิดขึ้นในการทำงานของโยฮันน์เฟรด Hamannและวิลเฮล์ฟอนฮัม ^[137] Ernst GombrichและNelson GoodmanในหนังสือของเขาLanguages ​​of Art : An Approach to a Theory of Symbolsถือได้ว่าแนวคิดการเผชิญหน้ากับงานศิลปะนั้นมีอิทธิพลเหนือการรับรู้และการมองเห็นโดยเฉพาะกับงานศิลปะในช่วงทศวรรษที่ 1960 และปี 1970 ^[138]เขาถูกท้าทายบนพื้นฐานของการวิจัยที่ทำโดยRoger Sperryนักจิตวิทยารางวัลโนเบลซึ่งยืนยันว่าการเผชิญหน้าทางสายตาของมนุษย์ไม่ได้ จำกัด อยู่ที่แนวคิดที่แสดงด้วยภาษาเพียงอย่างเดียว (ทางภาษาศาสตร์) และรูปแบบอื่น ๆ ของการแสดงทางจิตวิทยาของ งานศิลปะสามารถป้องกันและพิสูจน์ได้อย่างเท่าเทียมกัน ในที่สุดมุมมองของ Sperry ก็ได้รับชัยชนะในตอนท้ายของศตวรรษที่ 20 โดยมีนักปรัชญาด้านสุนทรียศาสตร์เช่นNick Zangwillปกป้องการกลับไปสู่ความเป็นทางการเชิงสุนทรียภาพในระดับปานกลางท่ามกลางทางเลือกอื่น ๆ ^[139]

น้ำพุดั้งเดิม โดย Marcel Duchampในปี 1917 ถ่ายโดย Alfred Stieglitzที่ 291หลังการจัดแสดงSociety of Independent Artistsในปีพ. ศ. 2460 Stieglitz ใช้ฉากหลังของ The Warriorsโดย Marsden Hartleyเพื่อถ่ายภาพโถปัสสาวะ ป้ายทางเข้านิทรรศการสามารถมองเห็นได้ชัดเจน ^[140]

ข้อพิพาทเกี่ยวกับการจัดประเภทบางสิ่งบางอย่างเป็นงานศิลปะหรือไม่นั้นเรียกว่าข้อพิพาทที่จัดประเภทเกี่ยวกับงานศิลปะหรือไม่ ข้อพิพาท classificatory ในศตวรรษที่ 20 ได้รวมCubistและอิมเพรสภาพวาดDuchamp 's น้ำพุภาพยนตร์เลียนแบบสุดยอดของธนบัตร , นามธรรมศิลปะและวิดีโอเกม ^[141]นักปรัชญา David Novitz ได้โต้แย้งว่าความไม่เห็นด้วยเกี่ยวกับนิยามของศิลปะแทบจะไม่เป็นหัวใจของปัญหา แทนที่จะเป็น "ความกังวลและผลประโยชน์อันน่าหลงใหลที่มนุษย์มอบให้ในชีวิตทางสังคมของตน" นั้นเป็น "ส่วนหนึ่งของข้อพิพาททางชนชั้นเกี่ยวกับงานศิลปะ" ^[142]จากข้อมูลของ Novitz ข้อพิพาทแบบแบ่งกลุ่มมักจะเป็นข้อพิพาทเกี่ยวกับค่านิยมทางสังคมและที่ที่สังคมพยายามจะไปมากกว่าที่เป็นเรื่องของทฤษฎีที่เหมาะสม ตัวอย่างเช่นเมื่อDaily Mailวิพากษ์วิจารณ์ผลงานของHirstและEminด้วยการโต้เถียงว่า "เป็นเวลา 1,000 ปีแล้วที่งานศิลปะเป็นหนึ่งในกองกำลังที่ยิ่งใหญ่ของเราทุกวันนี้แกะดองและเตียงเปื้อนเป็นภัยคุกคามที่จะทำให้คนป่าเถื่อนของพวกเราทุกคน" พวกเขาไม่ใช่ พัฒนาคำจำกัดความหรือทฤษฎีเกี่ยวกับศิลปะ แต่ตั้งคำถามถึงคุณค่าของงานของเฮิรสต์และอีมิน ^[143]ในปี 1998 อาร์เธอร์ดันโตเสนอให้มีการทดลองทางความคิดที่แสดงให้เห็นว่า "สถานะของสิ่งประดิษฐ์ในฐานะงานศิลปะเป็นผลมาจากความคิดที่วัฒนธรรมนำไปใช้กับสิ่งนั้นมากกว่าคุณสมบัติทางกายภาพหรือที่มองเห็นได้โดยธรรมชาติการตีความทางวัฒนธรรม (ทฤษฎีศิลปะ บางชนิด) จึงเป็นองค์ประกอบของศิลปะของวัตถุ " ^{[144] [145]}

Anti-artเป็นฉลากสำหรับงานศิลปะที่จงใจท้าทายพารามิเตอร์และคุณค่าของงานศิลปะ ^[146]มันเป็นคำที่เกี่ยวข้องกับDadaismและประกอบกับคลื่น Duchampก่อนสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง^[146]เมื่อเขาได้สร้างงานศิลปะจากวัตถุที่พบ ^[146]หนึ่งในนี้Fountain (1917) โถปัสสาวะธรรมดาได้รับความโดดเด่นและมีอิทธิพลต่องานศิลปะอย่างมาก ^[146]ต่อต้านศิลปะเป็นคุณลักษณะของการทำงานโดยSituationist ประเทศ , ^[147]แท้จริง-Fi เคลื่อนไหวจดหมายศิลปะและหนุ่มอังกฤษศิลปิน , ^[146]แม้ว่ามันจะเป็นรูปแบบยังคงปฏิเสธโดยStuckists , ^[146]ที่ บอกว่าตัวเองเป็นป้องกันต่อต้านศิลปะ ^{[148] [149]}

สถาปัตยกรรมมักถูกรวมเป็นหนึ่งในทัศนศิลป์ อย่างไรก็ตามเช่นเดียวกับมัณฑนศิลป์หรือการโฆษณามันเกี่ยวข้องกับการสร้างวัตถุซึ่งการคำนึงถึงการใช้งานเป็นสิ่งสำคัญในลักษณะที่พวกเขามักจะไม่อยู่ในภาพวาดเป็นต้น ^[150]

การตัดสินคุณค่า

สุสานท่อนซุงกลวงของชาวอะบอริจิน หอศิลป์แห่งชาติ แคนเบอร์ราออสเตรเลีย

ในส่วนที่เกี่ยวข้องกับข้างต้นคำว่าศิลปะยังใช้ในการตัดสินคุณค่าเช่นในสำนวนเช่น "อาหารมื้อนั้นเป็นงานศิลปะ" (พ่อครัวคือศิลปิน), ^[151]หรือ "ศิลปะแห่งการหลอกลวง "(ระดับความสามารถระดับสูงของผู้หลอกลวงได้รับการยกย่อง) เป็นการใช้คำนี้เป็นตัวชี้วัดคุณภาพสูงและมีมูลค่าสูงซึ่งทำให้คำนี้มีรสชาติของความเป็นส่วนตัว การตัดสินคุณค่าต้องอาศัยพื้นฐานในการวิจารณ์ ในระดับที่ง่ายที่สุดวิธีการตรวจสอบว่าผลกระทบของวัตถุที่มีต่อความรู้สึกตรงตามเกณฑ์ที่จะพิจารณาว่าเป็นศิลปะหรือไม่คือการรับรู้ว่าน่าดึงดูดหรือน่ารังเกียจ แม้ว่าการรับรู้จะถูกเติมแต่งโดยประสบการณ์เสมอและจำเป็นต้องเป็นเรื่องส่วนตัว แต่เป็นที่เข้าใจกันโดยทั่วไปว่าสิ่งที่ไม่น่าพึงพอใจทางสุนทรียศาสตร์ไม่สามารถเป็นศิลปะได้ อย่างไรก็ตามงานศิลปะที่ "ดี" ไม่ได้ดึงดูดผู้ชมส่วนใหญ่อย่างสวยงามเสมอไป กล่าวอีกนัยหนึ่งแรงจูงใจที่สำคัญของศิลปินไม่จำเป็นต้องเป็นการแสวงหาสุนทรียศาสตร์ นอกจากนี้งานศิลปะมักแสดงภาพที่น่ากลัวซึ่งสร้างขึ้นเพื่อเหตุผลทางสังคมศีลธรรมหรือกระตุ้นความคิด ตัวอย่างเช่นภาพวาดของFrancisco Goyaที่แสดงถึงการยิงของสเปนในวันที่ 3 พฤษภาคม 1808 เป็นภาพกราฟิกของหน่วยยิงที่ดำเนินการกับพลเรือนที่วิงวอนขอ ในขณะเดียวกันภาพที่น่าสยดสยองแสดงให้เห็นถึงความสามารถทางศิลปะที่เฉียบคมของโกยาในการจัดองค์ประกอบและการดำเนินการและก่อให้เกิดความไม่พอใจทางสังคมและการเมืองที่เหมาะสม ดังนั้นการถกเถียงยังคงดำเนินต่อไปว่ารูปแบบของความพึงพอใจด้านสุนทรียศาสตร์นั้นจำเป็นต้องมีเพื่อนิยาม 'ศิลปะ' อย่างไร ^{[152] [153]}

สมมติฐานของค่านิยมใหม่หรือการกบฏต่อแนวคิดที่เป็นที่ยอมรับของสิ่งที่เหนือกว่าทางสุนทรียศาสตร์ไม่จำเป็นต้องเกิดขึ้นพร้อมกันกับการละทิ้งการแสวงหาสิ่งที่ดึงดูดใจทางสุนทรียภาพโดยสิ้นเชิง อันที่จริงแล้วสิ่งที่ตรงกันข้ามมักจะเป็นความจริงการแก้ไขสิ่งที่คนทั่วไปคิดว่าเป็นสิ่งที่ดึงดูดใจในเชิงสุนทรียศาสตร์ช่วยให้เกิดการกระตุ้นความรู้สึกทางสุนทรียะอีกครั้งและการชื่นชมมาตรฐานของงานศิลปะในรูปแบบใหม่ โรงเรียนจำนวนนับไม่ถ้วนได้เสนอวิธีการกำหนดคุณภาพของตนเอง แต่ดูเหมือนว่าพวกเขาทั้งหมดจะเห็นด้วยอย่างน้อยหนึ่งประเด็น: เมื่อทางเลือกด้านสุนทรียศาสตร์ของพวกเขาได้รับการยอมรับคุณค่าของงานศิลปะจะถูกกำหนดโดยความสามารถในการก้าวข้ามขีด จำกัด ของสื่อที่เลือก การนัดหยุดงานบางคอร์ดสากลโดยสิ่งที่หายากของทักษะของศิลปินหรือในการสะท้อนให้เห็นถึงความถูกต้องในสิ่งที่ถูกเรียกว่าจิตวิญญาณ ศิลปะมักมีจุดมุ่งหมายเพื่อดึงดูดและเชื่อมโยงกับอารมณ์ของมนุษย์ มันสามารถกระตุ้นความรู้สึกทางสุนทรียะหรือศีลธรรมและสามารถเข้าใจได้ว่าเป็นวิธีการสื่อสารความรู้สึกเหล่านี้ ศิลปินแสดงบางสิ่งบางอย่างเพื่อให้ผู้ชมรู้สึกตื่นเต้นในระดับหนึ่ง แต่พวกเขาไม่จำเป็นต้องทำอย่างมีสติ ศิลปะอาจได้รับการพิจารณาตรวจสอบข้อเท็จจริงของสภาพของมนุษย์ ; นั่นคือสิ่งที่เป็นมนุษย์ ^[154]โดยส่วนขยาย Emily L. Spratt ได้รับการโต้แย้งว่าการพัฒนาปัญญาประดิษฐ์โดยเฉพาะอย่างยิ่งในเรื่องการใช้กับภาพจำเป็นต้องมีการประเมินทฤษฎีสุนทรียศาสตร์ในประวัติศาสตร์ศิลปะอีกครั้งในปัจจุบันและการพิจารณาข้อ จำกัด ของ ความคิดสร้างสรรค์ของมนุษย์ ^{[155] [156]}

ปัญหาทางกฎหมายที่สำคัญเป็นงานศิลปะปลอม , การขโมยความคิด , แบบจำลองและผลงานที่เป็นไปตามอย่างยิ่งผลงานอื่น ๆ ของศิลปะ

การค้าผลงานศิลปะหรือการส่งออกจากประเทศอาจอยู่ภายใต้ข้อบังคับทางกฎหมาย ในระดับสากลยังมีความพยายามอย่างกว้างขวางในการปกป้องผลงานศิลปะที่สร้างขึ้น สหประชาชาติ , ยูเนสโกและBlue Shield นานาชาติพยายามที่จะให้ป้องกันที่มีประสิทธิภาพในระดับชาติและจะเข้าไปแทรกแซงโดยตรงในกรณีที่มีความขัดแย้งหรือภัยพิบัติ โดยเฉพาะอย่างยิ่งอาจส่งผลกระทบต่อพิพิธภัณฑ์หอจดหมายเหตุงานศิลปะและสถานที่ขุดค้น นอกจากนี้ยังควรสร้างความมั่นคงให้กับพื้นฐานทางเศรษฐกิจของประเทศโดยเฉพาะอย่างยิ่งเนื่องจากงานศิลปะมักมีความสำคัญต่อการท่องเที่ยว Karl von Habsburgประธานผู้ก่อตั้ง Blue Shield International อธิบายถึงความเชื่อมโยงเพิ่มเติมระหว่างการทำลายทรัพย์สินทางวัฒนธรรมและสาเหตุของการบินระหว่างปฏิบัติภารกิจในเลบานอนในเดือนเมษายน 2019 ว่า“ สินค้าทางวัฒนธรรมเป็นส่วนหนึ่งของอัตลักษณ์ของผู้คนที่อาศัยอยู่ใน สถานที่หนึ่ง หากคุณทำลายวัฒนธรรมของพวกเขาคุณก็ทำลายตัวตนของพวกเขาด้วย หลายคนถูกถอนรากถอนโคนมักไม่มีโอกาสอีกต่อไปและส่งผลให้หนีออกจากบ้านเกิด” ^{[157] [158] [159] [160] [161] [162]}

• ออสการ์ไวลด์เจตนา 2434
• สตีเฟนเดวีส์คำจำกัดความของศิลปะ 2534
• Nina Felshin, ed. แต่มันคือศิลปะ? , 2538
• Catherine de Zegher (เอ็ด) ภายในที่มองเห็นได้ MIT Press, 1996
• Evelyn Hatcher, ed. ศิลปะเป็นวัฒนธรรม: ความรู้เบื้องต้นเกี่ยวกับมานุษยวิทยาศิลปะ 2542
• Noel Carroll, ทฤษฎีศิลปะวันนี้ , 2000
• จอห์นไวท์เฮด โลภลม 2544
• Michael Ann Holly และ Keith Moxey (eds.) Art History Aesthetics Visual Studies . New Haven: สำนักพิมพ์มหาวิทยาลัยเยล 2545 ไอ 0300097891
• ชินเนอร์แลร์รี่ การประดิษฐ์ศิลปะ: ประวัติศาสตร์วัฒนธรรม ชิคาโก: สำนักพิมพ์มหาวิทยาลัยชิคาโก, 2546 ไอ 978-0-226-75342-3
• อาร์เธอร์ Danto , เสพติดของความงาม: สุนทรียศาสตร์และแนวคิดของศิลปะ พ.ศ. 2546
• Dana Arnoldและ Margaret Iverson, eds. ศิลปะและความคิด . ลอนดอน: Blackwell, 2003 ไอ 0631227156
• Jean Robertson และ Craig McDaniel, Themes of Contemporary Art, Visual Art หลังจากปี 1980 , 2005

• Antony Briant และGriselda Pollock , eds. ความเสมือนจริงและดิจิทัลอื่น ๆ : การสร้างภาพใหม่ ลอนดอนและนิวยอร์ก: IBTauris, 2010 ไอ 978-1441676313
• Augros, Robert M. , Stanciu, George N. The New Story of Science: mind and the universe , Lake Bluff, Ill .: Regnery Gateway, 1984 ISBN  0-89526-833-7 (หนังสือเล่มนี้มีเนื้อหาสำคัญเกี่ยวกับศิลปะและวิทยาศาสตร์)
• Benedetto Croce สุนทรียศาสตร์ในฐานะศาสตร์แห่งการแสดงออกและภาษาศาสตร์ทั่วไป , 2545
• Botar โอลิเวอร์ AI เทคนิคการออกนอกเส้นทาง: ต้น Moholy-Nagy ทบทวน Art Gallery of The Graduate Center, The City University of New York และ The Salgo Trust for Education, 2006 ไอ 978-1599713571
• Burguete, Maria และ Lam, Lui, eds. (2554). ศิลปะ: วิทยาศาสตร์เรื่อง World Scientific: สิงคโปร์ ไอ 978-981-4324-93-9
• Carol ArmstrongและCatherine de Zegher , eds. ศิลปินหญิงที่มิลเลนเนียม แมสซาชูเซตส์: หนังสือเดือนตุลาคม / สำนักพิมพ์ MIT, 2549 ISBN  026201226X
• Carl Jung , ผู้ชายและสัญลักษณ์ของเขา ลอนดอน: Pan Books, 1978 ไอ 0330253212
• EH Gombrich , เรื่องของศิลปะ ลอนดอน: Phaidon Press, 1995. ไอ 978-0714832470
• Florian Dombois, Ute Meta Bauer , Claudia Mareis และ Michael Schwab, eds. บ้านนกทางปัญญา การปฏิบัติงานศิลปะเป็นงานวิจัย ลอนดอน: Koening Books, 2012 ไอ 978-3863351182
• แคทธารีเอเวอเรกิลเบิร์และเฮลมุท Kuhn, ประวัติศาสตร์ของ Esthetics ฉบับที่ 2 แก้ไข. อินเดียนา: สำนักพิมพ์มหาวิทยาลัยอินเดียนา 2496
• Kristine StilesและPeter Selz , eds. ทฤษฎีและเอกสารศิลปะร่วมสมัย . เบิร์กลีย์: สำนักพิมพ์มหาวิทยาลัยแคลิฟอร์เนีย 1986
• Kleiner, Gardner, Mamiya และ Tansey ศิลปะในยุคที่สิบสอง (2 เล่ม) Wadsworth, 2004 ISBN  0-534-64095-8 (เล่ม 1) และ ISBN  0-534-64091-5 (เล่ม 2)
• ริชาร์ดโวลล์ , ศิลปะและวัตถุที่: แนะนำให้รู้จักกับความงาม นิวยอร์ก: Harper & Row, 1968 OCLC  1077405
• จะ Gompertz สิ่งที่คุณกำลังมองหาที่ ?: 150 ปีของศิลปะสมัยใหม่ในพริบตา นิวยอร์ก: ไวกิ้ง, 2012 ไอ 978-0670920495
• Władysław Tatarkiewicz , A History of Six Ideas: an Essay in Aestheticsแปลจากภาษาโปแลนด์โดยChristopher Kasparek , The Hague, Martinus Nijhoff, 1980

• ศิลปะและการเล่นจากพจนานุกรมประวัติศาสตร์ความคิด
• ไดเรกทอรีเชิงลึกของงานศิลปะ
• ไฟล์ศิลปะและศิลปินใน Smithsonian Libraries Collection (2005) Smithsonian Digital Libraries
• Visual Arts Data Service (VADS) - คอลเล็กชันออนไลน์จากพิพิธภัณฑ์หอศิลป์มหาวิทยาลัยในสหราชอาณาจักร
• RevolutionArt - นิตยสารศิลปะที่มีการจัดนิทรรศการการเรียกและการแข่งขันทั่วโลก
• อดาเจียน, โทมัส “ นิยามของศิลปะ” . ในZalta, Edward N. (ed.) สารานุกรมปรัชญาสแตนฟอร์ด .
• ศิลปะที่Curlie